Bad Lieutenant – Cop ohne Gewissen ist das Remake eines achtbaren, aber in letzter Konsequenz viel zu konventionellen Films von 1992. Damals noch mit Harvey Keitel in der Hauptrolle. Werner Herzog, bekannt und geachtet für seine Autorenfilme und vor allem für den bändigenden Charakter seiner Regiearbeiten mit Klaus Kinski (Fitzcarraldo, Aguirre, der Zorn Gottes, Nosferatu – Phantom der Nacht), inszeniert den Stoff als eigene Interpretation des Pulp Genres im Stile von James Ellroys Romanen (Die schwarze Dahlie, L.A. Confidential – Stadt der Teufel) und deren Verfilmungen. Ebenso wie Ellroy bedient sich Herzog eines lakonischen Sprachgestus sowie einer Verrohung der Charaktere und der Gesellschaft. Doch während in Ellroys Romanen meist die Institutionen Staat und Polizei als verkommene und degenerierte Organe dargestellt werden, die Hauptprotagonisten jedoch trotz ihrer offensichtlichen Verfehlungen und Makel letztlich menschliche oder auch heldenhafte Züge offenbaren, zeigt Herzog den Niedergang des Anti-Helden in Form einer abwärts gerichteten Spirale bestehend aus Gewalt, Sex, Drogen und Glücksspiel. New Orleans, bereits vor der Katrina-Katastrophe für seine atmosphärische Dichte bekannt, erhält durch den zerstörenden Charakter des Hurrikans eine nochmalige Erhöhung seines Mystizismus und seiner Düsternis. Herzog weiß das für sich und für seinen Film zu nutzen.

Nicolas Cage agiert – gerade in seinen dramatischen Rollen – oft am Rande des Overacting und auch in Bad Lieutenant wird ihm seine überzeichnende Darstellung zum Verhängnis. Die ständige Erhöhung und Zuspitzung seiner Darstellungsweise kommt seiner Rolle des Lieutenants McDonagh und auch dem Film in weiten Teilen entgegen und sorgt dafür, dass Bad Lieutenant lange Zeit als wirklich herausragender und morderner Film Noir hätte durchgehen können. Der schmale Grad zwischen Ekstase und Karikatur wird jedoch ab einem gewissen Punk unwiederbringlich überschritten, wodurch der Film auf einen Schlag einen Großteil seiner ursprünglichen Faszination verliert.

Es ist jedoch Werner Herzog selbst, der seinen Film höchst eigenwillig zerstört: Denn in “bester” Hollywood-Manier wendet sich letztlich alles zum Guten. Der Zuschauer muss sich in diesem Fall fühlen, als würde er mit einem Ruck aus einem fiebrigen Traum gerissen werden. Das Ende mag vielleicht als geschickte Parodie auf gängige Hollywood-Klischees gedacht sein, führt jedoch den kompletten Handlungsverlauf ohne nennenswerte moralische Intention oder inhaltlich schlüssigen Überbau ad absurdum. Jedem anderen Regisseur müsste eine inhaltliche Intervention von Seiten der Filmstudios unterstellt werden. Bei Werner Herzog scheint das nahezu undenkbar.

Rating: 3 out of 5 stars

Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

Quelle: Kueperpunk

Quelle: Clockworker

Als heutigen Nonsens möchten wir hier auf eine russische Matrix-Parodie oder vielleicht auch -Hommage hinweisen, die besagten Meilenstein in die Zeit der Stummfilme Chaplins zurückversetzt. Und alle wichtigen philosophischen Aussagen sind auch schon drin

Finden wir übrigens in seiner Rückwärtsgewandheit stilistisch – keineswegs thematisch – verwandt zu den Neu-Alt-Verfilmungen des Cthulhu-Mythos und den Whisperer.

Ein semi-erfolgreicher Tennisspieler ohne große Zukunftsperspektiven hat im Laufe der Jahre eine vermögende Frau geheiratet und so seine Schäfchen vermeintlich ins Trockene gebracht. Durch Zufall und eine gehörige Portion Misstrauen erfährt er jedoch von einer Romanze zwischen seiner Frau und einem erfolgreichen Krimi-Autor. Damit beginnt ein perfider Plan: Er beschließt seine Frau umzubringen bzw. umbringen zu lassen. Ein ehemaliger Schulkamerad mit zwielichtigem Hintergrund wird erpresst und dazu gezwungen die Tat für ihn auszuführen. Minutiös wird der Mord geplant. Doch es kommt wie es kommen muss. Der ausgeklügelte Plan misslingt und die junge Frau tötet im Eifer des Gefechts den Eindringling. Der Ehemann antizipiert voller Enttäuschung die neue Situation und versucht, die Tötung aus Notwehr seiner Frau geschickt als kaltblütigen Mord anzuhängen…

Ein wirklich interessanter Aspekt des Films, der mittlerweile fast schon in Vergessenheit geraten ist, ist die Tatsache, dass er bereits zur damaligen Zeit in 3D (!!!) gedreht wurde. Die plastischen Effekte hielten sich zur damaligen Zeit natürlich noch sehr in Grenzen und so gab es Bei Anruf Mord nur in wenigen Kinos mit der entsprechenden 3D-Brille zu sehen. Der Film entpuppt sich schon nach kurzer Zeit als reiner Dialogfilm, der durchaus auch als cineastisches Kammerspiel bezeichnet werden kann. Denn bis auf einige sehr wenige Ausnahmen spielt Bei Anruf Mord einzig und allein in einem Raum. Hitchcock inszeniert den Film als nahezu 1:1 Umsetzung der Broadway-Vorlage und handelt damit genau richtig. In einem späteren Interview-Marathon mit dem französischen Regisseur François Truffaut erläuterte Hitchcock, dass der Fehler vieler Filmregisseure darin bestehe, funktionierende Vorlagen bei der Adaption für die Kinoleinwand künstlich erweitern und aufbauschen zu wollen, wodurch die ursprüngliche Struktur der Handlung zerstört werde. Zu dieser Haltung mag man geteilter Meinung sein und die Filmgeschichte hat ebenfalls bewiesen, dass eine freiere Interpretation einer erfolgreichen Vorlage durchaus Erfolg haben kann und dabei weiterhin auf künstlerischer Ebene funktioniert.

Vielleicht ist es die nahezu identische Umsetzung des Ausgangsstoffes, die Alfred Hitchcock dazu veranlasst, die Bedeutung dieses Werkes im nachhinein herunter zu spielen. Vielleicht sah er sich in diesem Fall auch mehr als Handwerker, denn als Künstler. Fakt ist jedoch, dass Hitchcock hier handwerklich nahezu perfekt zu Werke geht und das Stück gerade dadurch – und trotz seiner immensen Dialoglastigkeit – eine unglaubliche Sogkraft entwickelt, die auch heutzutage selten wieder erreicht wurde. Maßgeblichen Anteil am Erfolg von Bei Anruf Mord hat Hauptdarsteller Ray Milland, der den ehemaligen Tennisspieler Tony Wendice verkörpert und der mit seinem perfiden Charme immer wieder die Sympathien der Zuschauer gewinnen kann. Die dadurch entstehende Ambivalenz können Hitchock und Milland über die gesamte Dauer des Films aufrecht erhalten und schaffen damit eine äußerst gelungene Geschichte mit hoher atmosphärischer Dichte. Der Bösewicht erhält dadurch eine völlig neue Dimension an Vielschichtigkeit und steht damit im krassen Gegensatz zur üblichen schwarz-weißen Charakterzeichnung, wie sie aus sonstigen (Hollywood-)Filmen bekannt und gewohnt ist.

Bei Anruf Mord ist ein Film ohne (!) Schwächen, der selbst über ein halbes Jahrhundert nach seinem Erscheinen noch genauso funktioniert wie am ersten Tag. Allein diese Tatsache zollt höchsten Respekt und ist ein Zeichen für die hohe handwerkliche Kunst Hitchcocks, der bei diesem Film vielleicht wirklich nicht so sehr als Künstler in Erscheinung treten konnte und im Endeffekt “nur” einen bereits funktionierenden Stoff umgesetzt hat. Das soll jedoch der einzige wirklich nennenswerte Kritikpunkt sein.

Rating: 9 out of 10 stars

(via)