Wer im Film aufgepasst hat und sich die Passage in der es um “Kicks” im “Limbus” geht nochmal vor Augen führt, der kann das Ende des Films sehr eindeutig auflösen.

Quelle: Comme Il Faut

Das nachfolgende Bild bringt die kühle Ästhetik eines solchen post-nuklearen Zeitalters jedoch ziemlich treffend auf den Punkt und ist optisch an ein eskaliertes 50er Jahre Setting angelehnt.

Wer sich für die vielen Unterarten von Cyberpunkt & Co. interessiert, dem dürfen wir an dieser Stelle diese kurze und treffende Zusammenfassung des Doktors ans Herz legen.

Quelle: doktorsblog

An unknown virus detroyed almost the entire human population. Oblivious to the true nature of the disease, the only remaining survivors escape to the sea. In great ships, they set off in search of uninhabtited land.

Mit diesen Worte beginnt der sieben minütige Animations-Kurzfilm Ark. Mehr sollte zu diesem wirklich sehr feinen Machwerk nicht gesagt werden. Die liebevolle Inszenierung spricht für sich und zieht einen sofort in seinen Bann. Anschauen! Genießen! Und sich über das äußerst stilvolle und gelungene Ende freuen. Toll!

Die einfältig anmutende Geschichte wurde in der bisherigen Kinogeschichte schon unzählige Male erzählt und beinhaltet das altbekannte Mann-gegen-Monster-Szenario, welches in Alien schon 1979 seinen Höhepunkt hatte. Auch wenn es dort natürlich Frau gegen Monster war. Doch eine weitaus ähnlichere Analogie zu Outlander stellt das angelsächsische Helden-Gedicht Beowulf dar, welches ebenfalls auf einige mehr oder minder gelungene filmische Umsetzungen zurückblicken kann. Doch während die düstere Verfilmung Beowulf (1999) mit Christopher Lambert in der Hauptrolle selbst die Bezeichnung B-Movie kaum verdiente und die computeranimierte Umsetzung Die Legende von Beowulf aus 2007 erstaunlich lieblos und blutleer in Erinnerung bleibt, wirkt der Genre-Mix aus klassischen Science-Fiction Elementen und Fantasy wahrlich erfrischend. Regisseur Howard McCain versucht erst gar nicht, dem Zuschauer den einfachen Stoff als etwas anderes zu verkaufen und bewegt sich innerhalb der stilistischen Grenzen überaus gekonnt ohne in zu trashige Gefilde abzutauchen.

Outlanders großer Pluspunkt ist zum einen die Geradlinigkeit seiner Geschichte, wobei gerade die hochkarätige Besetzung den Figuren eine sehr große Glaubwürdigkeit verleiht und den Film damit sehr stark von seinen Genre-Vertretern abhebt. Auf der anderen Seite tritt der Science-Fiction Aspekt mit zunehmender Dauer des Films immer mehr in den Hintergrund, wodurch sich die konträr gegenüber stehenden Genre-Ansätze nicht im Wege stehen. Die vereinzelten Rückblicke in Kainans Vergangenheit erinnern visuell vereinzelt an Bilder aus dem Science-Fiction-Rollenspiel Mass Effect und können sich in Relation zu den großen Kino-Blockbustern wirklich sehen lassen.

Auch wenn die Gewalt in Outlander - beispielsweise im Vergleich mit Die Legende des Beowulf – wesentlich mehr im Vordergrund steht, werden die Genregrenzen durch die teilweise sehr abstrahierte Reduktion auf vereinzelte Effekte und hochstilisierten Szenen nie überschritten. Die notwendige Gewalt verschafft dem Film damit eine wesentlich höhere Glaubwürdigkeit im Rahmen des Genres. Charakteristisch für diese Filmgattung ist die strenge Limitierung auf die Kernthemen Angst, Spannung und die aufs wesentlich reduzierten Beziehungen zwischen zwei konkurrierenden männlichen Charakteren sowie eine ur-menschliche aufkeimende Beziehung zwischen Mann und Frau. Outlander bedient all diese Themen und bewegt sich damit im Rahmen des Genres ohne den Faden zu verlieren, ohne den Zuschauer zu langweilen oder den Film künstlich zu strecken. Die Motive bleiben – ebenso wie die Charakterzeichnung – einfach, aber niemals dumm.

Howard McCain schafft mit Outlander das, was vielen Genrevertretern nicht gelungen ist: Er erzählt eine einfach Geschichte, mit einfachen Stilmitteln in einem erfrischenden Szenario, kombiniert mit tollen Effekten und für diesen Anlass wirklich gelungenen schauspielerischen Darbietungen. Und auch wenn der Film in seiner Wesensart nach wie vor ein B-Movie bleibt, da er in erster Linie niedere Motive und Instinkte anspricht und auch das Budget nicht dem heutiger Blockbuster entspricht, setzt er sich mit einem Schlag vor etliche, wenn nicht sogar die meisten seiner Genrevertreter. Alien natürlich ausdrücklich ausgenommen.

Rating: 3.5 out of 5 stars

Dr. Parnassus (Christopher Plummer) ist viele Jahrhunderte alt und ein Spieler. Regelmäßig liefert er sich mit dem Teufel a.k.a. Mr. Nick (Tom Waits) kuriose Wetten um menschliche Seelen und erlangte auf diese Art und Weise zwischenzeitlich sogar die Unsterblichkeit. Im London der Gegenwart angekommen muss er sich erneut auf ein Spiel mit dem Teufel einlassen, um die Seele seiner Tochter zu retten. Diese sollte – so der Pakt – mit der Vollendung ihres 16. Lebensjahres in Mr. Nicks Besitz übergehen. Doch der Teufel hat mittlerweile gefallen an den ewigen Duellen mit Dr. Parnassus gefunden und lässt sich auf eine allerletzte Wette ein. Gewonnen hat derjenige, welcher zuerst fünf Seelen für sich gewinnen kann. Parnassus bedient sich hierfür eines magischen Kabinetts mit dessen Hilfe er die Menschen in eine Art Traumwelt hinüberführen kann, in der sich die Gedanken, Träume und Begierden der Menschen manifestieren. Doch jeder Mensch, der in das Kabinett hineingeht muss sich einer Prüfung unterziehen, deren Ausgang über das Wohl und Wehe seiner Seele entscheidet. Eines Tages taucht jedoch der geheimnisvolle Tony (Heath Ledger) auf, der nur knapp dem Tod durch den Strang entkommen konnte und seitdem an totaler Amnesie leidet. Aus Dankbarkeit bietet Tony Dr. Parnassus seine Hilfe an und hat mit seinem Charme auch schnell die ersten Erfolge beim Seelenfang…

Es ist mühselig zu spekulieren, welches Ergebnis dem Drehbuch hätte entspringen können, hätte Ledgers Tod den künstlerischen Ambitionen Gilliams nicht von vorneherein einen Strich durch die Rechnung gemacht. Die offensichtlichen Drehbuchänderungen sind jedoch relativ geschickt eingefädelt und lassen sich im Rahmen des Fantasy-Szenarios plausibel erklären. Dennoch wirkt der Film an vielen Stellen fragmentarisch und unvollendet. Gilliams Versuch dem Zuschauer nicht alles mehrfach vorgekaut zu servieren ist Anfangs noch erfrischend und hebt den Film von der breiten Masse vieler Hollywood Verfilmungen positiv hervor. Mit zunehmender Dauer bleiben allerdings viele Fragen unbeantwortet, Vorwürfe offen im Raum stehen und bei genauerer Betrachtung hat die Geschichte keinen inhaltlich konsistenten Rahmen. Da stellt sich beispielsweise die Frage worin denn genau die Prüfung bestehen soll, der ein Mensch im Kabinett ausgesetzt wird. Eine übergeordnete Metastruktur, eine Art seelische Inspektionsroutine gibt es nicht oder ist zumindest nicht klar zu erkennen. Während auf der einen Seite moralische Entscheidungen getroffen werden, stehen in einem anderen Fall lediglich verschiedene Versuchungen gegenüber. So chaotisch wie die faszinierenden Welten innerhalb des Imaginariums gestaltet sich allerdings der gesamte Film: Was im ersten Moment kurzweilig und unterhaltsam anmutet, entpuppt sich beim zweiten Blick als Fass ohne Boden. War die Herrschaft des Chaos in allen Teilen des Films Gilliams Absicht oder sind die strukturellen und inhaltlichen Schwächen den notwendigen Drehbuch Änderungen geschuldet?

Nichtsdestotrotz hat Das Kabinett des Dr. Parnassus auch seine Stärken und die sind in erster Linie optischer bzw. ästhetischer Natur. Bereits seit den Anfängen der Monty-Python-Ära versteht es Terry Gilliam wie kein Anderer, magische Bilderwelten zu konstruieren und befruchtet damit die Fantasie des Zuschauers jedesmal aufs neue. In der Hinsicht wirkt der Film wie ein visuelles Konglomerat seines bisherigen Schaffens und beinhaltet sowohl Elemente aus Gilliams letzten Filme, wie beispielsweise Brothers Grimm, als auch typische Schemata seiner früheren Werken á la Brazil und den diversen Monty Python Zeichentrick Artworks. Das Kabinett des Dr. Parnassus ist in jedem Fall ein optischer Leckerbissen für Fans verquerer Fantasy und darüber hinaus überaus kurzweilig. Wer jedoch dem Zuschauer soviel Geisteskraft zutraut, nicht jedes Detail der Geschichte zigfach erklären zu müssen, sollte sich allerdings nicht wundern, dass dieser anschließend enttäuscht ist, wenn er herausfindet, dass hinter vielen offenen Fragen keine hinreichende Erklärung wartet. Über das konservative und snobistisch anmutende Ende des Films wollen wir gar nicht erst reden…

Rating: 3 out of 5 stars

Quelle: Firstshowing.net

Einziger Wermutstropfen ist jedoch die Tatsache, dass hier mal wieder “Verrat-doch-den-ganzen-Film-in-der-Vorschau-Pictures-präsentiert…” am Werk ist. Ein Unding!

(Via: FirstShowing.net)

Auf der einen Seite steht die Geschichte von Jonathan Preest, eine Art maskierter Rächer in der von Religion und Glauben dominierten Stadt Meanwhile City, der sich auf der Suche nach The Individual – den er auszulöschen gedenkt – mit allerhand Gesindel und den Schergen der klerikalen Obrigkeit herumschlagen muss. Im Londen unserer Zeit sind drei weitere Fremde auf der Suche: Ein Vater such seinen verlorenen Sohn, eine exzentrische Kunststudentin sucht etwas “Echtes” und “Erschütterndes” in ihrer eigenen Kunst und schreckt dabei auch nicht vor inszenierten Selbstmordversuchen zurück, die sie per Videokamera festhält. Und schlussendlich gibt es dann auch noch einen jungen Mann, der die Liebe verloren hat und seine Jugendliebe wiederfindet…

Den Inhalt detaillierter zu beschreiben, würde bedeuten, etwas von der Faszination des Films zu nehmen. In den knapp 100 Minuten wird der Zuschauer durch eine wunderbare Geschichte geführt, die die Gradwanderung vollbringt, die Themen Glaube und Schicksal zu verwenden, ohne dabei in zutiefst christliche Motive oder sonstige Klischess abzudriften. Das Spiel mit den verschiedenen Erzählsträngen lässt den Zuschauer bis kurz vor Schluss über die diversen Zusammenhänge im Ungewissen. Dadurch entsteht eine Art collagenhafter Charakter. Bei einer solchen Inszenierung besteht natürlich die Gefahr, dass der Regisseur früher oder später den Faden verliert, wodurch der Zuschauer den Film dann entweder nicht mehr nachvollziehen kann oder aber irgendwann das Interesse an den Geschehnissen verliert. Diesbezüglich können wir allerdings Entwarnung geben: Alle größeren, gefährlichen Untiefen, die eine solche Inszenierung nach sich zieht wurden gekonnt umschifft, auch wenn hier und da Fragen offen bleiben und man am Ende dann doch leicht in die fast schon obligatorische Kitsch-Kiste greift. Der positive Gesamteindruck des Films wird dadurch jedoch nicht geschmälert.

Die Hauptrollen sind mit Eva Green (Casino Royal, Königreich der Himmel), Ryan Phillippe (Eiskalte Engel) und Sam Riley (Control) sehr gut und glaubhaft besetzt, auch wenn Ryan Phillippe hier etwas abfällt. Riley und Green können jedoch mit ihren Rollen voll überzeugen und auch die diversen kleineren Nebenrollen sind adäquat besetzt. Auf schauspielerischer Ebene erfährt der Zuschauer zwar keine künstlerische Offenbarung, aber gute Darstellungen von charismatischen Charakteren.

Optisch geizt der Film auch nicht mit seinen Reizen. Die Szenen in Meanwhile City sind alle sehr beeindruckend und erinnern in ihrer Düsternis etwas an Dark City. Aber auch die weniger spekatkulären und effektheischenden Szenen im realen London sind aus optischer Sicht durchaus gelungen und stilvoll in Szene gesetzt. Allen voran der von Eva Green’s Charakter inszenierte Selbstmordversuch oder das große Finale, in dem alle Handlungsstränge gekonnt kulminieren.

Franklyn ist in seiner Gesamtheit eher ein Thriller-Drama und hat nur vordergründig etwas mit der Dystopie zu tun, die im Trailer so offenkundig proklamiert wird. Wirkliche Schwächen hat der Film keine – wenn man mal von der irreführenden Marketingkampagne absieht – und überzeugt durchaus als gelungenes Verwirrspiel, auch wenn der erfahrene Kinozuschauer die endgültige Kulmination irgendwann vorauszusehen vermag. Wer allerdings Lust auf einen sehr ungewöhnlichen Thriller verspürt und keine Hemmungen vor diversen fantastischen Elementen hat, dem sei Franklyn wärmstens empfohlen. Ein gute Produktion aus Großbritannien, die mal wieder zeigt, dass in Sachen Non-Konformität die europäische Filmindustrie der amerikanischen einiges voraus hat.

Rating: 3.5 out of 5 stars

Quelle: Fünf Filmfreunde