Wobei ich mich wohl nach dieser DEfinition nur Teil-Geek nennen darf, denn die Comic-Referenzen sagen mir fast garnüscht, und auch WoW übt da keinen Reiz aus. Aber Leutz, die lebendigsten Welten, die schmiedet man sich immer noch in Gedanken bei Pen&Paper-Sitzungen! Ganz wie Herr Metzen da sacht, ne!

Im Blog ist auch der gesamte Vortrag verlinkt, vielleicht ebenfalls sehenswert… bislang noch nicht ausprobiert.

Nun hatten wir wegen eben dieses damaligen lautstarken Trailers befürchtet, dass Surrogates ein arges Action-Spektakel und damit recht überflüssig sein würde, denn wer bräuchte ehrlicherweise diesen Film noch, wenn bereits Gamer läuft? Erfreulicherweise ist er das ganz und gar nicht und schlägt einen deutlich andere Richtung ein.

Worum geht’s? Auch hier wird eine nicht allzuferne Zukunft beschrieben, in der die Menschheit eine künstliche Parallelwelt in völlig neuem Ausmaß erschaffen hat. Allerdings sind die Avatare – als die titelgebenden Surrogates bezeichnet – clever konstruierte Roboter, die von ihrem Benutzer bequem vom sicher abgeschotteten Stem Chair aus gesteuert werden können. Ursprünglich als hehre Protesen und Hilfskonstrukte für Behinderte gedacht, sind diese Surrogates inzwischen dank extensiver Vermarktung  quasi alles, vom Spielzeug über Statussymbol bis hin zur Kampfmaschine für heikle Militärmissionen, sie sind das soziale Herzstück des öffentlichen Lebens. Die Gesellschaft ist keine Dystopie, das Leben in ihr findet ebenso gewaltfrei wie künstlich statt; sie scheint sich an der Grenze zur Dekadenz zu bewegen, ohne sie jedoch zu überschreiten – noch.

Der Über-Zivilisationsgesellschaft stehen Enklaven von Aussteigern gegenüber, die den Surrogates und allen damit zusammenhängenden gesellschaftlichen Entwicklungen protestierend gegenüber stehen. Sie werden von der Regierung zwar als Minderheit respektiert, sind allerdings auch, gewollt oder ungewollt, in ihren Reservaten vom Wohlstand der Industriegesellschaft weitgehend ausgeschlossen. Diese angespannte Balance kippt, als ein radikales Mitglied des Widerstands mit einer unbekannten Waffe einen Doppelmord begeht, der die Grundfesten der Surrogate-Gesellschaft erschüttert: er tötet durch eine Rückkopplung die Benutzer. Das FBI setzt unverzüglich seinen Ermittler Tom Greer (den guten alten Bruce) auf den Fall an, um den Kollaps des Systems abzuwenden, und das Publikum schaut ihm fortan dabei über die Schulter.

Und das auf recht angenehme Weise, denn Surrogates verzichtet auf furiose übertriebene Actionsequenzen, sondern setzt überwiegend auf ruhigere und verdichtete Bilder, ohne jedoch den Zuschauer direkt mit der Nase auf die Aussage zu stoßen. Wenn Greer beispielsweise im Hauptquartier des Surrogate-Konzerns VSI auf deren windige Marketingverantwortlichen trifft und das Foyer wie ein App(le)-Store aussieht, oder wenn er zusammen mit seiner Partnerin entdeckt, wie sehr sich die Benutzer der Surrogates von ihrem Wunsch-Scheinbild unterscheiden und das an gefälschte Facebook-Profile erinnert, dann offenbart der Film seine eigentliche Stärke.

Was an der größtenteils nicht allzu überraschenden, aber schön erzählten Geschichte fasziniert, ist die Widerspiegelung der heutigen digitalen Gesellschaft der Social-Networks in vielen kleinen szenischen Facetten. Aber auch andere Elemente werden dezent mit eingeflochten, beispielweise die abstrahierte Kriegsführung des Militärs, die nur noch ihre Surrogates auf “Friedensmissionen” schicken und deren Einsatzzentrale mit ihren hunderten Stem-Chairs wie eine Call of Duty-LAN aussieht (Zitat eines Soldaten: “Verdammt, ich bin tot!”). Oder auch die Verfolgung zwischen dem Mörder und Greer’s Surrogate, die die ganze Macht der Maschine demonstriert, die mit Leichtigkeit zum Terminator werden könnte. Oder der undurchsichtige Prophet, der als Erlösergestalt des Widerstands auftritt, aber von einer unbarmherzigen Garde beschützt wird, die ihre Macht voll und gerne brutal auskostet. Einziger Wermutstropfen im Plot: die doch arg draufgesetzt wirkende persönliche Tragödie Greer’s und seiner Frau, die als als ursprüngliche Flucht der beiden in die künstliche Roboter-Welt dient, denn im Vergleich zum Rest wirkt sie erstaunlich ungeschickt erzählt – und auch musikalisch aufdringlich in ihrer Kitschigkeit.

Fazit: Surrogates ist kein großer Wurf, aber eine nette Überraschung, die solide besetzt ist und unserer Ansicht nach ein bisschen bessere Kritiken verdient hat als die, welche ihr im weiten Netz so zuteil werden. Gerade die Rückführung des SciFi-Thriller zu mehr Geschichte und weniger CGI-Gerappels ist eine angenehme Abwechslung und entließ uns auch diskussionsfreudig und nicht plattgeschlagen aus dem Kino.
Rating: 3.5 out of 5 stars

Wir finden diesen Spot interessant gemacht, weil er die originären Feindbilder klar aufzeigt, die damals in die Klingonen eingeflossen sind, als die StarTrek-Serie auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges entworfen wurde. Die kommunistischen Kinderchöre, das penetrante durchgehende Rot der Spots, der Propaganda-Plakat-Stil der Zeichnungen, die Militärfixierung und so weiter sind wirklich treffend inszeniert. Und das 60er-Jahre-Testbild zu Beginn ist auch so ein stilistisches Mittel, das gerne eingesetzt wird, um an die politische Einstellung dieser Zeit zu erinnern. Zuletzt gesehen bei der Fallout-Reihe.

Und aus diesem Grund haben Gleichgesinnte im Netz die Seite der Television Tropes eingerichtet. Dahinter verbirgt sich ein erheiterndes Wiki, dass sich eben ausschliesslich mit wiederkehrenden Erzählungskonventionen in Filmen, Bücher, Rollenspielen und vielem mehr befasst. Und zwar durchaus ein wenig ironisch, so wie es das Munchkin-Kartenspiel tut, das wir ebenfalls für seinen Humor verehren.

Den Begriff “Trope” haben wir für uns mit “Konvention” übersetzt, irgendetwas wie eine allgemein akzeptierte Idee, die irgendwann in den Fundus der Fiktion gewandert ist und gerne wiederverwendet wird. Eine vielleicht hilfreichere Beschreibung bietet das Wiki hier – und die Art und Weise, wie man mit einem Trope umgehen kann, hier.

Als kleine Kostprobe verlinken wir hier mal die zwei Tropes der “Furchterregenden Unpraktischen Rüstung” und der “Alien-Geometrie”. Gerade bei Letzterem wetten wir drauf, dass alle Space-Opera-Zocker und Lovecraft-Leser mit einem “Genau so isses!” drauf reagieren.

Klar, Schwerkraftgeneratoren auf Grundlage völlig unbekannter Technologie waren bei Star Trek / Star Wars schon von Anfang an mit dabei – sei es gewollt oder schlicht pragmatisch, damit man nicht dauernd ohne CGI schwebende Leute in Szene setzen musste -, aber eigentlich reduziert es den Film auf eine Art See-/Luftkampf mit bunten Lasern und sogar Geräuschen, fast so wie zuhause aufm Planet!

Davon abweichend und daher dem Begriff Space Opera viel näher stehend fallen uns spontan drei andere Titel ein: 2001: Odyssee im Weltraum, bei dem die Gravitation durch die Zentrifugalkraft des drehenden Schiffsrumpfes erzeugt werden musste, Dark Star, wo das Schiff eine beklemmende Blechbüchse ist, wie man das von den Aufnahmen der ISS schon eher kennt, und Firefly, wo zwar auch Wundergravitation herrscht, aber viele Raumgänge um das immerzu baufällige Schiff nötig sind und im Raum konsequenterweise nur die Atemgeräusche der Personen im Anzug zu hören sind (oder Westerngitarren).

Wahrscheinlich liegt es auch in der Natur der Sache, dass sich in den Filmen beider Kategorien ganz unterschiedliche Stimmungen aufbauen, weil sie auch durch die nebensächliche Wahl des Umgangs mit der Gravitationsproblematik entweder beeinflusst werden oder sich in dieser Wahl widerspiegeln.

So könnte man sich die Imperialen Sturmtruppen jedenfalls nicht vorstellen

Also dieses Motiv zieht bei uns ja immer. Man bedenke, dass sich aus diesem Ansatz das komplette fiktionale Genre der Romane und Filme von Alternativhistorien herleitet. Oder nebenbei bemerkt auch unsterblich Klassiker der elektronischen Unterhaltung wie die “Civilization”-Reihe. Allessamt Dinge, die dem Hang zu Faszinierendem entgegenkommen.

Dieses Buch nun geht einen deutlich wissenschaftlichen Weg, indem der Autor verschiedene Historiker zu Wort kommen lässt, die auf ihrem spezialisierten Gebiet Gedankenexperimente darüber anstellen, wie sich die Geschichte an bestimmten Schlüsselstellen hätte anders entwickeln können. Mitunter die interessantenste daraus: was wäre aus dem Christentum ohne die Krezigung Jesu geworden? Eine neue Richtung des Judentums, ohne den uns bekannten Märtyrer-Mythos? Und welche Auswirkungen hätte das auf das Römische Reich gehabt?

Was dieses Buch so bemerkenswert macht, ist der generell eingehaltene Darstellungsansatz der einzelnen Artikel. Zuerst werden die betrachtete Situation geschildert und die damaligen Verhältnisse verdeutlicht – z.B. waren die Schilderungen der chinesischen Forscherflotten im 15. Jahrhundert für uns ein ziemliches Aha-Erlebnis, weil wir noch nie was davon gehört hatten -, und danach werden die Theorien über mögliche Alternativen vorgestellt. Da die Artikel von unterschiedlichen Autoren geschrieben sind, variieren diese Thesen etwas von extrem nüchtern bis hin zu ziemlich gewagt, aber dankenswerter bleibt der allergrößte Teil der Autoren da auch auf dem Teppich – und das Buch insgesamt seinem Anspruch treu, gleichzeitig die Fragilität der Geschichte aufzuzeigen und unterhaltsam zu sein – etwas Bildung inklusive.

Was wäre geschehen, wenn wir uns die 10€ nicht gegönnt hätten? Wir hätten ein sehr spannendes Werk verpasst, für das man zugegeben auch ein wenig Interesse an der realen Weltgeschichte mitbringen muss.

Jetzt muss man zur Vorgeschichte zu Gothic 3 – also den ersten beiden vorangegangenen Titeln 1 & 2 – sagen, dass sie unbestritten Meilensteine im Rollenspielgenre waren. Warum denn das? Die Grafik, bei diesem Genre immer der erste Aufhänger, war jeweils der neueste Stand der 3D-Technik und sorgte für gewaltiges Staunen; solche real wirkenden Witterungsverhältnisse hatte man bis 2001 höchstens bei Morrowind gesehen, das ungefähr zeitgleich rauskam. Es war von der Immersion her bis dahin einmalig. Aber, was viel unterschwelliger wirkte, war die dargestellte Welt: jede Ecke wirkte wie individuell entworfen, jede rumstehende Hütte konnte betreten werden (sogar ohne Ladebildschirm, was erstaunlich viel ausmacht), und das waren zwei Dinge, die in Morrowind und später Oblivion nie der Fall waren. Und auch die Bewohner standen nicht so sinnlos rum, sonden arbeiteten an irgendwas oder warfen sich gegenseitig Smalltalk-Sätze an den Kopf, so dass es im Vorbeilaufen tatsächlich so wirkte, als führten sie echte Gespräche. Da das Spiel aus Deutschland stammte, waren die Dialoge und Formulierungen keiner Übersetzung unterworfen, und das fiel auch deutlich auf. Über einen Marktplatz zu laufen, wirkte erstaunlich echt.

Kurz gesagt steckte die Welt voller Details, denen man ansah, dass lange daran gearbeitet wurde. Man merkte, dass die an sich schon tolle Musik auch fein mit der Umgebung abgestimmt war, um die richtige Stimmung hervorzurufen. Es gab ein tolles, nicht frustierendes und transparentes Kampfsystem. Es gab bei beiden Titeln durchgehende Motive – die Wahl zwischen drei verschiedenen Lagern, es gab sogar einen subtilen Farbcode (Rot für die Paladine/Magier Innos’, Blau für die Söldner/Anhänger Beliars) und vieles mehr. Es gab den herrlich undurchsichtigen Schwarzmagier Xardas. Es gab jeweils drei separate “Karrieren” und von diesen zentralen Quests davon abgesehen eine für Rollenspiele hohe Wahlfreiheit. Auch das machte das Spielen so faszinierend.

Dann kam Gothic 3 – und fast jeder war enttäuscht. Warum? Aus drei Gründen: Bugs, schlimme Bugs und teilweise Umkrempelung des Spielkonzeptes. Das Kampfsystem wurde irgendwie schwammiger und entzog die sichere Basis beim Spielgefühl. Die Welt wurde riesig groß im Vergleich zu den Vorgängern und die Ladezeiten nach einem der häufigen Tode mit ihr – die Ladezeiten in Verbindung mit dem schwammigen Kampfsystem waren ein permanentes Ärgernis, denn der Quickload verdiente den Namen nicht. Plötzlich gab es ein Rufsystem bei den verschiedenen Fraktionen, von dem es abhing, ob man bessere Rüstungen verkauft bekam (sowieso gab es Dinge eher zu kaufen als in den Vorgängern, sodass man wirklich jeden Mist aufsammeln und zu Gold machen musste, um genug Asche zu bekommen, ein wenig wie in den ganzen D&D-Titeln). Es wurde ein expliziterer Skill-Tree eingeführt, die Statistiken im Spiel wirkten etwas offengelegter, man hatte zum ersten Mal Angst, sich ordentlich verskillen zu können wie bei Oblivion – das Spiel fühlte sich einfach nicht mehr an wie die Vorgänger, und es war beim Release eindeutig unfertig, von der Stabilität her wie auch von der Abrundung des Spielkonzepts. Das betraf allerdings weniger die Grafik, die Synchronisation und schon gar nicht die Musik. Das war nach wie vor blendend.

Wir waren damals auch verärgert – allein die Fortführung der Geschichte, das Wiedersehen alter Charaktere aus den Vorgängern und der nach wie vor typische Witz trieben uns zum Durchzocken. Der Namenlose Held, die Gespräche, die immer auf wundersame Weise vermeiden, dass er endlich seinen Namen preisgibt und seine flapsigen Sprüche waren einfach nach wie vor liebenswerte Markenzeichen. Aber insgesamt waren wir schon merklich enttäuscht und hatten die Serie für uns als beendet eingestuft. Dazu kamen auch Dinge, von denen uns im Nachhinein klar wurde, dass wir sie schon in den ersten beiden Teilen vermisst hatten, sie aber bei Teil drei immer noch nicht Einzug gehalten hatten: der Welt fehlten beispielsweise Frauen und Kinder wie beim später entstandenen ‘Witcher’, um wirklich glaubhaft zu wirken. Gothic 3 hat bestimmt grob über den Daumen gepeilt 500 Männer, 10 Frauen und 0 Kinder – warum sich groß um die Vorherrschaft der Götter in der Zukunft kümmern, wenn in 40 Jahren dann eh keine Anhänger mehr da sind ?

Das war vor zweieinhalb Jahren. Da das Spiel nicht so erfolgreich war wie die Vorgänger und die Verärgerung der Fans groß, wurde es vom  Verleger Jowood ziemlich schnell ad acta gelegt. Allerdings hatte sich (und hat sich bis heute) eine große Fangemeinde um Gothic gebildet, die parallel zu den Entwicklern von Piranha Bytes Community Patches rausbrachte, um das Spiel im Nachhinein zu stabilisieren. Den neuesten davon haben wir uns gezogen und das Spiel nochmal begonnen. Und es ist toll.

Warum das? Weil wir und ehrlich gesagt nicht mehr an die alten Bugs erinnern und der Patch sie behoben hat. Weil der Abstand zu den Vorgängern größer ist als damals und wir das Spiel jetzt für sich alleine bewerten können und es keine Erwartungen hinsichtlich Vorgänger-Traditionen mehr erfüllen muss. Wir finden es zwar nicht so gut wie Teil 2, zugegeben, aber es ist trotzdem wunderschön. Und um ehrlich zu sein: wir wussten auch noch, dass man unbedingt die ersten 50 Erfahrungspunkte in die Steigerung der Lebensenergie stecken muss, damit man nicht von jedem dahergelaufenen Goblin mit einem Stock niedergeknüppelt wird Ja, das war schon ärgerlich damals, als der Held – Orkbezwinger, Drachentöter – vom Schiff marschiert kam und ihn die erstberste Wildschweinrotte zertrampelte.

Unser Fazit: Gothic 3 ist heutzutage wirklich spielenswert, weil wir im Nachhinein mit den Experimenten der Entwickler hinsichtlich Veränderungen im Spielkonzept einverstanden sind und sich neben ihnen auch die Community dafür ins Zeug gelegt hat, das zuerst skandalös verbuggte Spiel ins Reine zu bringen. So, und nach diesem ganzen Gelaber hier noch ein Video, wie man per Flugcheat die Wüste Varant mal von oben bestaunen kann.

So geschehen bei der Erweiterung The Wrath of the Lich King von World of Warcraft:

In the recent expansion pack Wrath of the Lich King, there’s a quest called “The Art of Persuasion” that requires you to extract information from a tied-up sorcerer. You do this by stinging him repeatedly with a creepy instrument called the “Neural Needler,” a device that “inflicts incredible pain to target, but does no lasting damage.” After a few minutes, the sorcerer coughs up the info.

Es gab anscheinend auch etliche Spieler, die sich über diese Quest echauffiert haben. Der Autor des Artikels (Clive Thompson vom New York Times Magazine) führt jedoch weiter aus:

Pioneering game designer Richard Bartle argued that the quest violated in-game canon, since the quest is forced upon people playing with narratively “good” Alliance characters (as opposed to WoW’s evil Horde characters). In the end, the Art of Persuasion quest poses a big cultural, aesthetic and political question: Should games include torture?

Er beantwortet diese Frage mit “Ja” und begründet das damit, dass in der amerikanischen Kultur ein kaum vorhandenes Verständnis über das Thema Folter und vor allem der damit verbundenen Konsequenzen existiere. Folterszenen sollten daher seiner Meinung nach in Videospielen zu pädagogischen Zwecken verwendet werden. Für die besagte WoW Quest würde das dann bedeuten, dass bestimmte Charaktere nicht mehr mit dem Avatar des Spielers interagieren wollen und er dadurch bestimmte Quests nicht mehr bekommt o.ä. Die Anwendung einer extremen Maßnahme müsste also extreme und weitreichende Auswirkungen nach sich ziehen, nicht der Unterhaltung dienen und noch viel weniger sollte sie lediglich positive Effekte auslösen. Thompson plädiert daher nicht nur für mehr Folter in Videospielen, sondern auch für ein regelrechtes Torture Design, um bessere und nachhaltigere Folterszenen zu kreieren. Ein Spieler würde dadurch gezwungen werden, sich vor einer solchen Handlung intensiv mit den nachfolgenden Konsequenzen auseinanderzusetzen, denn die Auswirkungen würden das Spiel maßgeblich beeinflussen und verändern.

Wir wollen den Artikel bewusst unkommentiert wiedergeben. Was meinen unsere Leser zu diesem Thema? Könnte ein solcher Ansatz überhaupt funktionieren? Sowohl aus pädagogischer Sicht, als auch aus der Sicht der Gamedesigner? Oder sind Folterszenen in Videospielen grundsätzlich zu verurteilen?

Worum gehts? Auf die bloße Handlung reduziert: der Forscher Tom Creo versucht unerbittlich, ein Heilmittel gegen den Tumor zu finden, der das Leben seiner Frau Izzy bedroht. Diese Geschichte ist verwoben mit zwei weiteren parallelen Handlungssträngen, die ein Abbild dieses Geschehens sind. Eine davon handelt im Spanien bzw. im Mittelamerika des 16. Jahrhunderts, wo der Conquistador Tomas im Auftrag seiner Königin Izabella den Baum des Lebens finden soll, um den Tod zu besiegen. Die andere spielt in einer transzendentalen Zukunft, in der Thomas zu dem Sternennebel reist, den die Maya als das Totenreich Xibalbá betrachteten. Dort will er Izzy, die für ihn in einem Baum weiterlebt, zur Wiedergeburt verhelfen.

Die gesamte Erzählung ähnelt einem Traum, der fortwährend mit Symbolen durchsetzt ist, die wiederum ineinander fließend übergehen und Übergänge zwischen den einzelnen Handlungssträngen bilden. Die Symbolik – aufgrund ihrer Aussagen zu Leben und Tod stark religiös – und deren ganzheitliche Umsetzung in Bild und Ton sind das entscheidende Merkmal, das den Film einprägend und unvergesslich macht. Konsequenterweise lässt er dem Zuschauer auch die Freiheit zu interpretieren, ob den nun die einzelnen Geschichten real sind oder nur die Träume der jeweils anderen Personen. Oder ob das letztendlich für die gewonnene Erkenntnis überhaupt wichtig ist.

Die Aussagen selbst sind keine sonderliche Neuerungen. Wem das zu respektlos erscheint: die zentralen Botschaften des Respekts vor dem Tod, der Überwindung des Todes durch die Überwindung des Lebens oder der ewigen Erneuerung sind allesamt schon im Buddhismus und Hinduismus enthalten – und die sind immerhin älter als das Christentum. Und auch The Fountain ist beileibe nicht der erste Film, der sich damit auseinandersetzt. Dafür haben wir die Botschaft, dass das aggressive Streben der westlichen Zivilisation nach Unsterblichkeit – oder allgemeiner: Perfektion – nur scheitern kann, schon viel zu oft gesehen, gehört, gelesen.

Viel wichtiger ist die Erzählung an sich, die dem Film eigentlich zu einer philosophischen Betrachtung macht und auch oft meditative Ruhe ausstrahlt, indem er den einzelnen Einstellungen viel Zeit einräumt und eine phantastisch gute musikalische Untermalung zuläßt. Wer ihn sich nur mal schnell zwischen Tür und Angel ansehen will, sollte sich lieber einen anderen Film wählen, denn es wäre schade um den ersten Eindruck.

Und davon abgesehen ist die schauspielerische Leistung von Hugh Jackman und Rachel Weisz hervorragend. In den Dialogen kommt viel mehr Ausdrucksstärke zum Vorschein, als ich das von Filmen gewohnt bin. An dieser Stelle muss ich leider eine Aussage treffen, die sonst von Kennern (oder Leuten, die sich dafür halten) oft viel zu schnell getroffen wird: “Vergesst die deutsche Tonspur, da geht generell immer viel zu viel verloren”. Hier allerdings absolut zutreffend, da wurde offenbar ohne groß nachzudenken in die Sprecherkiste gegriffen. Auf Deutsch klingt der Film wie ein 0815-Blockbuster, was mich dermaßen gestört hat, dass ich den Film nochmal von vorne auf Englisch geschaut habe.

Was mir unabhängig von der Sprache auffiel, war eine teilweise unnötige Überbetonung in Symbolik oder Gestik. Die innere Zerrissenheit von Tom wäre beispielsweise auch dann klar, wenn er nicht zweimal im Film demonstrativ weinend Einrichtungsgegenstände umherwerfen würde. Aber diese unnötigen Dinge sind lediglich Kleinigkeiten in Vergleich zu dem, was der Film wirklich gut macht.

Fazit: Wer gerne tiefsinnige Filme sieht und ein Faible für nicht-lineare Erzählungen hat, wird den Film lieben. Allerdings sollte man ihm genug Zeit einräumen, um ihn wirken zu lassen. Und zweimal sehen.