Inzwischen haben sich Animationsfilme zweifellos als erfolgreiches Genre etabliert; ein eindeutiges Zeichen dafür ist, dass es mittlerweile auch eine Reihe recht schematischer Durchschnittswerke gibt – das ist erst dann möglich, wenn der Mainstream erreicht ist und die Produktionskosten entsprechend gesunken sind. Und eben wegen dieser Entwicklung stach für uns Rango in seiner Ankündigung heraus, weil er schlicht seltsam und ein wenig rauher wirkte. Und obwohl er hinter dieser unserer Erwartung zurückbleibt, wird er wahrscheinlich aber dennoch der für uns ungewöhnlichste Animationsfilm des Jahres 2011 sein.

Worum geht’s? Um ein namenloses Haustier-Chamäleon, welches seinen Besitzern in der Wüste verlorengeht und daraufhin in einer staubigen verfallenen Westernstadt voller Wüstentiere landet, die um ihr täglich Wasser kämpfen. Auf seiner Suche nach einer Rolle, einem Namen und einer Identität überhaupt nimmt das Protagonisten-Tierchen recht schnell die Rolle des Revolverhelden und folgerichtig des Sherrifs an. Und ebenso folgerichtig kämpft Rango – als Film wie als Charakter – sich einen absolut vorhersagbaren Plot entlang.

Das mag alles so gewollt sein, nicht zuletzt als scharfsinnige Referenz all jener ideengebenden Italo-Western und anderer Filme wie Verbinskis vorangegangene Piraten-Werke oder auch “Fear and Loathing in Las Vegas”, aber die Handlung verschafft dem Film kein interessantes Alleinstellungsmerkmal. Auch die extrem hohe Qualität der Bilder tut dies nicht, und auch nicht die amüsante wie klischeehafte Darstellung der Dorfbewohner.

Wirklich interessant machen den Film Rangos Träume und seine Irrfahrten in einer Art indianisch-spirituellen Welt, die einen surrealen Ton in dem Film bringen, und die zu einem nicht unerheblichen Teil dankbarerweise etwas das Tempo aus dem Film nehmen. Genau dieser Aspekt, der die Wüste als leere Bühne und Spiegelbild für Rangos Suche nutzt, der sie mit Dali-haften Bildern füllt, der hilfreiche Geister in Form eines wandernden Gürteltiers und eines gleichfalls namenlosen Geist des Westens in Clint-Eastwood-Form auftreten lässt – dieser Aspekt macht Rango zu etwas zumindest partiell Neuem.

Damit zeigt sich – unserem Empfinden nach ungewollt, aber weiß das schon…? – der Film Rango insgesamt ebenfalls als identitätssuchend. Was er genau sein will, kann er im Gegensatz zum Protagonisten nicht so recht finden. Ein Western? Eine psychedelische Metapher? Ein 3D-Actionspektakel mit Raubvogel- und Maschinengewehr-Fledermausjagden? Eine milde Gesellschaftskritik, wegen der Monopolisierung des lebenswichtigen Wassers? Alles zusammen?

Rango krankt unserer Ansicht nach wie alle Artgenossen des Animationsfilms daran, dass sie sich einfach nicht von ihren Vorfahren, den Zeichentrickfilmen für Kinder, lösen können. Dass sie moralische Aussagen nicht ohne das verpflichtende Happy-End erzählen dürfen – der ständig angekündigte Protagonistentod durch den griechisch-mexikanischen Eulen-Mariachi-Chor findet selbstverständlich nicht statt. Und er krankt auch daran, dass mindestens eine klar abgegrenzte wildeste Verfolgungsjagd stattfinden muss, um die 3D-Technik maximal auszureizen (wobei wir den Film tatsächlich nur in 2D gesehen haben, ein wahrscheinlich glücklicher Zufall, durch den uns die weggefallene Reizüberflutung mehr Raum für den Rest des Films ließ) und damit auch denen was zu bieten, die für den Rest nicht so empfänglich sind.

Hätte Rango das geschafft, will heißen den Mut aufgebracht, den simplen Slapstick und die Action-Kirmes zugunsten der Reflektion zu tauschen und anstelle der Schnittmuster-Nebenrollen wirkliche Charaktere zu verwenden – also bewußt kein Familienfilm mehr zu sein, und sich auf die verbleibenden Aspekte zu konzentrieren – dann wäre es ein Film geworden, der über Jahre hinaus als Meilenstein hätte gelten können, der der Erzählung und dem Konzept der Animationsfilme eine neue Richtung gegeben hätte. So bleiben es nur Impulse und ein unterhaltsamer Abendfilm. Und das ist jammerschade.

Rating: 3.5 out of 5 stars

So weit, so sinnfrei. Und es kommt natürlich alles wie es kommen muss. Die beiden ungleichen Freunde kämpfen gegen eine zunehmende Horde rumhüpfender Vampire, die mit ihrem albernen Gehampel augenscheinlich sexy und irgendwie auch lesbisch rüberkommen sollen. Das geht natürlich voll in die Hose. Sowohl für die beiden Haupt-Protagonisten, als auch für den Film selbst. Hier stimmt nur sehr wenig. Um Spannung geht es in Lesbian Vampire Killers sowieso nur sekundär. An erster Stelle sollen Spass und Sex stehen. Doch auch das funktioniert nur bedingt. Affektiert rumfummelnde Frauen finden wahrscheinlich pubertierende Teenager noch lustig, wirklich sexy ist das allerdings nicht. Und mit dem Spass ist das auch so eine Sache, denn auch wenn der eine oder andere Gag tatsächlich zum Schmunzeln anregt, verfolgt man den Großteil des Filmes doch recht teilnahmslos.

Lesbian Vampire Killers lebt in erster Linie von seinem trashigen Titel und dem eben solchen Cover, obwohl beide wesentlich mehr versprechen, als dass der Film zu halten im Stande ist. Optisch orientiert man sich offensichtlich an eine Art Pulp-Stil, der entfernt an die deutschen Groschenromane und Hörspiele um den Geisterjäger John Sinclair erinnern. Doch auch deren (zweifelhaftes?) Niveau wird nur zeitweilig erreicht. Die meiste Zeit plätschert Lesbian Vampire Killers so vor sich hin, ohne wirklich jemandem weh zu tun, aber auch ohne jegliche Relevanz, ohne großen Spass und auch auch ohne Splatter-Faktor. Das Blut der Vampire wurde nämlich kurzerhand weiß eingefärbt. Damit bekommt der Film höchstwahrscheinlich die Freigabe für ein pubertierendes Publikum und hat auch prompt so etwas wie eine Zielgruppe: Jugendliche zwischen 12 und 16 Jahren. Langweilig!

Rating: 1.5 out of 5 stars

Die einfache Struktur des Drehbuchs ist in erster Linie darauf ausgelegt, Jeff Bridges Darstellung zu exponieren. Als alternder und abgehalfterter Musiker mit Alkoholproblemen lernt Bad Blake die 20 Jahre jüngere Journalistin Jean (Maggie Gyllenhaal) kennen. Die daraus resultierende Beziehung gibt beiden die Möglichkeit eines Neuanfangs. Die alleinerziehende Jean sieht im väterlichen Verhalten Blakes die Möglichkeit, ihrem Sohn eine intaktes Familienleben zu schaffen. Blake selbst möchte seine Verfehlungen als Vater aus einer früheren Ehe wiedergutmachen und kämpft so unbewusst um eine Absolution, die ihm letztlich niemand geben kann. Dabei befindet er sich in einem immer währenden Konflikt mit seinem eigenen Dämonen. Vornehmlich dem Alkohol.

Jeff Bridges spielt seinen selbstzerstörerischen Charakter außerordentlich lässig und mit einem großen Hang zum körperlichen und seelischen Exhibitionismus. Der gewonnene Academy Award ist damit gleichermaßen nachvollziehbar und gerechtfertigt. Dem Film als Gesamtkunstwerk mangelt es dennoch an der entsprechenden Durchschlagskraft. Das liegt in erster Linie an der in weiten Strecken zu großen Simplifizierung der Geschichte. Und auch wenn Crazy Heart vor allem von Bridges Darstellung und dem sehr gut herausgearbeiteten Country-Flair lebt, so geht ihm dennoch mit zunehmender Dauer die Luft aus. Auf der Grundlage des schwachen Drehbuchs kulminiert der Film letztlich in einem Klischee beladenen Finale das weder der Geschichte noch dem Film weiterhilft. Hier wäre viel mehr möglich gewesen.

Rating: 3 out of 5 stars

Bad Lieutenant – Cop ohne Gewissen ist das Remake eines achtbaren, aber in letzter Konsequenz viel zu konventionellen Films von 1992. Damals noch mit Harvey Keitel in der Hauptrolle. Werner Herzog, bekannt und geachtet für seine Autorenfilme und vor allem für den bändigenden Charakter seiner Regiearbeiten mit Klaus Kinski (Fitzcarraldo, Aguirre, der Zorn Gottes, Nosferatu – Phantom der Nacht), inszeniert den Stoff als eigene Interpretation des Pulp Genres im Stile von James Ellroys Romanen (Die schwarze Dahlie, L.A. Confidential – Stadt der Teufel) und deren Verfilmungen. Ebenso wie Ellroy bedient sich Herzog eines lakonischen Sprachgestus sowie einer Verrohung der Charaktere und der Gesellschaft. Doch während in Ellroys Romanen meist die Institutionen Staat und Polizei als verkommene und degenerierte Organe dargestellt werden, die Hauptprotagonisten jedoch trotz ihrer offensichtlichen Verfehlungen und Makel letztlich menschliche oder auch heldenhafte Züge offenbaren, zeigt Herzog den Niedergang des Anti-Helden in Form einer abwärts gerichteten Spirale bestehend aus Gewalt, Sex, Drogen und Glücksspiel. New Orleans, bereits vor der Katrina-Katastrophe für seine atmosphärische Dichte bekannt, erhält durch den zerstörenden Charakter des Hurrikans eine nochmalige Erhöhung seines Mystizismus und seiner Düsternis. Herzog weiß das für sich und für seinen Film zu nutzen.

Nicolas Cage agiert – gerade in seinen dramatischen Rollen – oft am Rande des Overacting und auch in Bad Lieutenant wird ihm seine überzeichnende Darstellung zum Verhängnis. Die ständige Erhöhung und Zuspitzung seiner Darstellungsweise kommt seiner Rolle des Lieutenants McDonagh und auch dem Film in weiten Teilen entgegen und sorgt dafür, dass Bad Lieutenant lange Zeit als wirklich herausragender und morderner Film Noir hätte durchgehen können. Der schmale Grad zwischen Ekstase und Karikatur wird jedoch ab einem gewissen Punk unwiederbringlich überschritten, wodurch der Film auf einen Schlag einen Großteil seiner ursprünglichen Faszination verliert.

Es ist jedoch Werner Herzog selbst, der seinen Film höchst eigenwillig zerstört: Denn in “bester” Hollywood-Manier wendet sich letztlich alles zum Guten. Der Zuschauer muss sich in diesem Fall fühlen, als würde er mit einem Ruck aus einem fiebrigen Traum gerissen werden. Das Ende mag vielleicht als geschickte Parodie auf gängige Hollywood-Klischees gedacht sein, führt jedoch den kompletten Handlungsverlauf ohne nennenswerte moralische Intention oder inhaltlich schlüssigen Überbau ad absurdum. Jedem anderen Regisseur müsste eine inhaltliche Intervention von Seiten der Filmstudios unterstellt werden. Bei Werner Herzog scheint das nahezu undenkbar.

Rating: 3 out of 5 stars

Männer die auf Ziegen starren beginnt als paramilitärische und parapsychologische Satire mit reichlich Hippie-Touch. Der Film lebt dabei in erster Linie von seinem originellen Drehbuch und den skurrilen Charakteren. Allen voran George Clooney und Jeff Bridges, wobei letztgenannter eine militärische Interpretation seiner Rolle als Dude aus The Big Lebowski zum Besten geben darf. Ewan McGregor bleibt da nur die Rolle des Sidekicks. Die erfüllt er zwar äußerst gewitzt, muss jedoch meist hinter Clooneys exponierter Darstellung ins zweite Glied zurückweichen. Das Zusammenspiel der beiden Hauptprotagonisten (Clooney und McGregor) ist dennoch das Highlight des Films.

Die satirische Ausgangssituation spannt einen Bogen zu einem politisierenden Überbau, der sich allerdings nie in dern Vordergrund drängt. Im Gegenteil, eine etwas stärkere Ausarbeitung der subversiven Kritik hätte Männer die auf Ziegen starren gut getan. Heslov dekliniert sein Szenario konsequent bis ins letzt Detail durch, vergisst dabei allerdings den notwendigen Spannungsbogen. Und den Witz. Was Anfangs noch amüsant und originell wirkt, verliert sich nach und nach in der Bedeutungslosigkeit. Das passiert, wenn man einen Witz zu oft durchnudelt. Stark angefangen und stark nachgelassen!

Rating: 2.5 out of 5 stars

Sherlock Holmes ist den meisten Kinozuschauern ein Begriff, doch ein wirklich tiefgreifendes Bild der komplexen Romanfigur von Sir Arthur Conan Doyle fehlt dem Großteil des Publikums, liegt doch die letzte bekannte Kino- oder Serien-Adaption schon viele Jahre zurück. Sherlock Holmes ist für viele nur noch eine Popfigur. Als einziges bekanntes Merkmal bleibt der analytische Scharfsinn im Gedächtnis. Auf diese Weise kann Ritchie die Roman-Vorlage und vor allem den Charakter seiner Protagonisten nach belieben an die heutige Zeit und vor allem seinen persönlichen Stil anpassen.

Ritchie inszeniert seine Adaption als nahezu klassischen Buddy-Movie im Stile von Lethal Weapon oder Bad Boys. Action-Szenen und die fast schon obligatorische Rüpelhaftigkeit stehen im Vordergrund. Die forensischen Fähigkeiten Holmes (Robert Downey Jr.) treten erst gegen Ende richtig in den Vordergrund. Holmes und Watson (Jude Law) agieren als beherzte Schläger mit viel Nonchalance. Die aristokratische Attitüde, wie sie beispielsweise in der bekanntesten Serien-Version mit Jeremy Brett (1984 – 1994) genüßlich zelebriert wurde, fehlt vollständig. Ebenso wie die sozialen Unzulänglichkeiten Holmes, die von Ritchie zwar angedeutet, letztlich aber nicht werkgetreu interpretiert wurden. Die grundlegenden Charakterzüge bleiben jedoch weiterhin erkennbar, auch wenn sie oftmals nur angedeutet oder karikiert werden.

Sinnbildlich für die Änderungen stehen die neuen Kampfesfertigkeiten der Hauptcharaktere. Auf amüsante Art und Weise versucht Guy Ritchie bereits zu Beginn des Films diese wahrscheinlich schwerwiegendste Änderung sinnvoll in die Charakterstruktur der Protagonisten einzubetten, indem er sie in der analytischen Fähigkeit Holmes begründet sieht. Das wirkt im ersten Moment lachhaft und versperrt vielen Fans der Originalwerke und bisherigen Film-Adaptionen den Zugang, funktioniert jedoch im Rahmen des Films sehr gut. Wer sich darauf nicht einlassen kann oder will wird von Sherlock Holmes auch in der Folge enttäuscht sein. Für alle anderen ist es ein amüsanter Buddy-Movie.

Rating: 3 out of 5 stars

Es ist wohl kein Zufall, dass mit Sam Mendes jemand Regie führte, der bereits mit American Beauty das Leben in den amerikanischen Vorstädten und dessen trügerische, äußere Idylle der Gesellschaft sezierte. Zeiten des Aufruhrs schlägt in eine ähnliche Kerbe. Der Zuschauer erhält einen voyeuristischen Blick auf das emotional pendelnde Verhältnis zwischen Frank und April, ohne jedoch wirklich in die Gefühlswelt der Protagonisten einzutauchen. Mendes erlaubt meist nur einen sehr distanzierten Blick auf die Geschehnisse und verbietet damit eine zu große Identifikation mit einer der beiden Parteien. Auf der Grundlage der bislang unerfüllten Wünsche, Träume und Sehnsüchte reibt sich das Ehepaar aneinander auf, findet zwischendurch wieder zueinander, nur um letztlich an sich und aneinander zu scheitern.

Die beiden Kinder des Ehepaares bleiben fast vollständig außen vor. Lediglich in einigen wenigen harmonischen Szenen erlaubt Mendes einen kurzen Blick auf die brüchige Fassade der Beziehung. In diesen Momenten sind auch die Kinder präsent. Doch sie werden nie mit Namen genannt. Ihre Gesichter sind nie zu sehen. Passenderweise wird das einzige Bild, welches dem Zuschauer von einer möglichen intakten Familie im Gedächtnis bleibt, durch die Strahlen eines Rasensprengers verschleiert. Kaum verschlechtert sich die Atmosphäre in der Beziehung der Wheelers treten die Kinder wieder vollständig in den Hintergrund und werden damit quasi nicht-existent. Der Zuschauer bleibt damit immer auf das Verhältnis zwischen Frank und April fokussiert. Die obligatorische, emotionale Problematik, die sich auch für die Kinder aus der Krise ihrer Eltern ergeben muss, wird von Mendes konsequent ausgeklammert.

Dass diese Beziehung kaum zu retten ist, zeigen die wenigen Feuerpausen in den Grabenkämpfen. Kaum sehen sich Frank und April in ihrem Plan Amerika zu verlassen vereint, müssen sich sich mit der ablehnenden Geisteshaltung ihrer Mitmenschen auseinander setzen. Der geplante Ausstieg passt so gar nicht in den American Way of Life und zu dem konservativen Weltbild Amerikas in den 50ern. Bezeichnenderweise hat lediglich der als verrückt diagnostizierte Sohn ihrer Vermieterin Verständnis für den persönlichen und gesellschaftlichen Ausbruchsversuch des Ehepaares. Doch all die guten Pläne und Vorsätze können nicht fruchten. Die äußeren Umstände bestehend aus gesellschaftlichen und familiären Verpflichtungen, sowie monetären Versuchungen wiegen zu stark, als dass die Hoffnungen und Wünsche in Erfüllung gehen können.

Mit Zeiten des Aufruhrs erschafft Sam Mendes ein ambitioniertes Schauspiel, welches einen sehr kritischen Blick hinter die Kulissen der Vorstadtidylle der Vereinigten Staaten in den 50ern erlaubt. In diesem Zusammenhang ist der Film dem oscarprämierten American Beauty wesentlich näher, als es vielleicht anfänglich den Anschein zu haben scheint. Die fast vollständige Reduktion auf die beiden ebenfalls oscarreif agierenden Hauptdarsteller zollt von großem Respekt vor der Romanvorlage. Der Film ist dadurch in vielerlei Hinsicht weniger zugänglich als beispielsweise American Beauty, aber nicht weniger gehaltvoll.

Rating: 4 out of 5 stars

Der belgische Regisseurs Fabrice de Welz verarbeitet in Vinyan mehrere Motive und Handlungsebenen. Der Tod im Allgemeinen und der Verlust eines geliebten Menschen im Speziellen führen mehrere Stufen der Trauer nach sich. Durch die Reise in die “grüne Hölle” und die Abkehr von der Zivilisation, der zunehmenden Entfremdung, Desorientierung und immer stärker aufkommenden Beklemmung, erschafft de Welz eine allegorische Ebene auf der er seine Figuren neben dem emotionalen Aspekt auch die verschiedenen Verhaltensaspekt der Trauer durchleben und erleiden lässt. Doch während es in der Realität meist einen Ausweg aus bzw. eine Überwältigung oder Verarbeitung der Trauer gibt, verlieren sich Jeanne und Paul immer tiefer in diesem Sog aus negativen Gefühlen und finden keinen Ausweg. Die Reise in den burmesischen Dschungel steht dabei sinnbildlich für die Reise in das Herz das Finsternis.

Eine weitere Ebene des Films, die eng mit dem Aspekt der Trauer verbunden zu sein scheint, ist der bereits ewig währende Konflikt zwischen Mann und Frau. Diesem ur-menschlichen Konflikt-Aspekt wird das Verhältnis zwischen Mutter und Kind entgegen gesetzt, was letztlich in der totalen Eskalation kulminiert. De Welz schlägt hier sowohl stilistisch als auch inhaltlich einen ähnlichen Weg ein, wie bereits Lars von Trier in Antichrist. Doch während in Antichrist – vereinfacht ausgedrückt – der Mann die Ursache bzw. der Auslöser des Bösen darstellt, ist es in Vinyan die Frau, die sich von der Welt und ihrem Mann ab- und dem Bösen zuwendet.

Vinyan beginnt mit einer sehr abstrakten und artifiziellen, aber dafür umso beeindruckenderen Darstellung der Tsunami-Katastrophe. Nur um im Anschluss daran stilistisch sehr stark zurückzufahren. Reduktion ist das Konzept der ersten Hälfte des Films. Grobkörnige Bilder, verblasste Farben, eine wackelige Handkamera, nahezu versteinerte Mimik der Schauspieler. Nur wenig, wie beispielsweise die von Beginn an sehr beklemmende Atmosphäre, lässt auf eine später Kulmination der Emotionen und Ereignisse schließen. Hier präsentiert uns de Welz seinen Film als ungewöhnliches aber in seinem strukturellen Aufbau recht einfaches (Familien-)Drama.

In der zweiten Hälfte des Films überschlagen sich die Ereignisse. Die düstere Atmosphäre, das befremdliche Verhalten der Protagonisten und das allgemeine Gefühl der Beklemmung bleiben erhalten – werden sogar gesteigert -, doch die Bildsprache und -Komposition legt ihren Mantel der Zurückhaltung ab und enthüllen die schreckliche Schönheit der Finsternis. Dennoch ist Vinyan immer noch sehr weit von einem klassischen Horrorfilm entfernt, obgleich auch hier mit der Thematisierung von Urängsten und -Gefühlen gespielt wird. Der Vergleich mit Antichrist liegt damit nicht nur inhaltlich, sondern auch stilistisch nahe. Fabrice de Welz inszeniert seinen Film als tiefgreifende und aufwühlende, durchaus auch anstrengende Erfahrung und setzt damit Maßstäbe.

Rating: 4.5 out of 5 stars

Nun hatten wir wegen eben dieses damaligen lautstarken Trailers befürchtet, dass Surrogates ein arges Action-Spektakel und damit recht überflüssig sein würde, denn wer bräuchte ehrlicherweise diesen Film noch, wenn bereits Gamer läuft? Erfreulicherweise ist er das ganz und gar nicht und schlägt einen deutlich andere Richtung ein.

Worum geht’s? Auch hier wird eine nicht allzuferne Zukunft beschrieben, in der die Menschheit eine künstliche Parallelwelt in völlig neuem Ausmaß erschaffen hat. Allerdings sind die Avatare – als die titelgebenden Surrogates bezeichnet – clever konstruierte Roboter, die von ihrem Benutzer bequem vom sicher abgeschotteten Stem Chair aus gesteuert werden können. Ursprünglich als hehre Protesen und Hilfskonstrukte für Behinderte gedacht, sind diese Surrogates inzwischen dank extensiver Vermarktung  quasi alles, vom Spielzeug über Statussymbol bis hin zur Kampfmaschine für heikle Militärmissionen, sie sind das soziale Herzstück des öffentlichen Lebens. Die Gesellschaft ist keine Dystopie, das Leben in ihr findet ebenso gewaltfrei wie künstlich statt; sie scheint sich an der Grenze zur Dekadenz zu bewegen, ohne sie jedoch zu überschreiten – noch.

Der Über-Zivilisationsgesellschaft stehen Enklaven von Aussteigern gegenüber, die den Surrogates und allen damit zusammenhängenden gesellschaftlichen Entwicklungen protestierend gegenüber stehen. Sie werden von der Regierung zwar als Minderheit respektiert, sind allerdings auch, gewollt oder ungewollt, in ihren Reservaten vom Wohlstand der Industriegesellschaft weitgehend ausgeschlossen. Diese angespannte Balance kippt, als ein radikales Mitglied des Widerstands mit einer unbekannten Waffe einen Doppelmord begeht, der die Grundfesten der Surrogate-Gesellschaft erschüttert: er tötet durch eine Rückkopplung die Benutzer. Das FBI setzt unverzüglich seinen Ermittler Tom Greer (den guten alten Bruce) auf den Fall an, um den Kollaps des Systems abzuwenden, und das Publikum schaut ihm fortan dabei über die Schulter.

Und das auf recht angenehme Weise, denn Surrogates verzichtet auf furiose übertriebene Actionsequenzen, sondern setzt überwiegend auf ruhigere und verdichtete Bilder, ohne jedoch den Zuschauer direkt mit der Nase auf die Aussage zu stoßen. Wenn Greer beispielsweise im Hauptquartier des Surrogate-Konzerns VSI auf deren windige Marketingverantwortlichen trifft und das Foyer wie ein App(le)-Store aussieht, oder wenn er zusammen mit seiner Partnerin entdeckt, wie sehr sich die Benutzer der Surrogates von ihrem Wunsch-Scheinbild unterscheiden und das an gefälschte Facebook-Profile erinnert, dann offenbart der Film seine eigentliche Stärke.

Was an der größtenteils nicht allzu überraschenden, aber schön erzählten Geschichte fasziniert, ist die Widerspiegelung der heutigen digitalen Gesellschaft der Social-Networks in vielen kleinen szenischen Facetten. Aber auch andere Elemente werden dezent mit eingeflochten, beispielweise die abstrahierte Kriegsführung des Militärs, die nur noch ihre Surrogates auf “Friedensmissionen” schicken und deren Einsatzzentrale mit ihren hunderten Stem-Chairs wie eine Call of Duty-LAN aussieht (Zitat eines Soldaten: “Verdammt, ich bin tot!”). Oder auch die Verfolgung zwischen dem Mörder und Greer’s Surrogate, die die ganze Macht der Maschine demonstriert, die mit Leichtigkeit zum Terminator werden könnte. Oder der undurchsichtige Prophet, der als Erlösergestalt des Widerstands auftritt, aber von einer unbarmherzigen Garde beschützt wird, die ihre Macht voll und gerne brutal auskostet. Einziger Wermutstropfen im Plot: die doch arg draufgesetzt wirkende persönliche Tragödie Greer’s und seiner Frau, die als als ursprüngliche Flucht der beiden in die künstliche Roboter-Welt dient, denn im Vergleich zum Rest wirkt sie erstaunlich ungeschickt erzählt – und auch musikalisch aufdringlich in ihrer Kitschigkeit.

Fazit: Surrogates ist kein großer Wurf, aber eine nette Überraschung, die solide besetzt ist und unserer Ansicht nach ein bisschen bessere Kritiken verdient hat als die, welche ihr im weiten Netz so zuteil werden. Gerade die Rückführung des SciFi-Thriller zu mehr Geschichte und weniger CGI-Gerappels ist eine angenehme Abwechslung und entließ uns auch diskussionsfreudig und nicht plattgeschlagen aus dem Kino.
Rating: 3.5 out of 5 stars

Die einfältig anmutende Geschichte wurde in der bisherigen Kinogeschichte schon unzählige Male erzählt und beinhaltet das altbekannte Mann-gegen-Monster-Szenario, welches in Alien schon 1979 seinen Höhepunkt hatte. Auch wenn es dort natürlich Frau gegen Monster war. Doch eine weitaus ähnlichere Analogie zu Outlander stellt das angelsächsische Helden-Gedicht Beowulf dar, welches ebenfalls auf einige mehr oder minder gelungene filmische Umsetzungen zurückblicken kann. Doch während die düstere Verfilmung Beowulf (1999) mit Christopher Lambert in der Hauptrolle selbst die Bezeichnung B-Movie kaum verdiente und die computeranimierte Umsetzung Die Legende von Beowulf aus 2007 erstaunlich lieblos und blutleer in Erinnerung bleibt, wirkt der Genre-Mix aus klassischen Science-Fiction Elementen und Fantasy wahrlich erfrischend. Regisseur Howard McCain versucht erst gar nicht, dem Zuschauer den einfachen Stoff als etwas anderes zu verkaufen und bewegt sich innerhalb der stilistischen Grenzen überaus gekonnt ohne in zu trashige Gefilde abzutauchen.

Outlanders großer Pluspunkt ist zum einen die Geradlinigkeit seiner Geschichte, wobei gerade die hochkarätige Besetzung den Figuren eine sehr große Glaubwürdigkeit verleiht und den Film damit sehr stark von seinen Genre-Vertretern abhebt. Auf der anderen Seite tritt der Science-Fiction Aspekt mit zunehmender Dauer des Films immer mehr in den Hintergrund, wodurch sich die konträr gegenüber stehenden Genre-Ansätze nicht im Wege stehen. Die vereinzelten Rückblicke in Kainans Vergangenheit erinnern visuell vereinzelt an Bilder aus dem Science-Fiction-Rollenspiel Mass Effect und können sich in Relation zu den großen Kino-Blockbustern wirklich sehen lassen.

Auch wenn die Gewalt in Outlander - beispielsweise im Vergleich mit Die Legende des Beowulf – wesentlich mehr im Vordergrund steht, werden die Genregrenzen durch die teilweise sehr abstrahierte Reduktion auf vereinzelte Effekte und hochstilisierten Szenen nie überschritten. Die notwendige Gewalt verschafft dem Film damit eine wesentlich höhere Glaubwürdigkeit im Rahmen des Genres. Charakteristisch für diese Filmgattung ist die strenge Limitierung auf die Kernthemen Angst, Spannung und die aufs wesentlich reduzierten Beziehungen zwischen zwei konkurrierenden männlichen Charakteren sowie eine ur-menschliche aufkeimende Beziehung zwischen Mann und Frau. Outlander bedient all diese Themen und bewegt sich damit im Rahmen des Genres ohne den Faden zu verlieren, ohne den Zuschauer zu langweilen oder den Film künstlich zu strecken. Die Motive bleiben – ebenso wie die Charakterzeichnung – einfach, aber niemals dumm.

Howard McCain schafft mit Outlander das, was vielen Genrevertretern nicht gelungen ist: Er erzählt eine einfach Geschichte, mit einfachen Stilmitteln in einem erfrischenden Szenario, kombiniert mit tollen Effekten und für diesen Anlass wirklich gelungenen schauspielerischen Darbietungen. Und auch wenn der Film in seiner Wesensart nach wie vor ein B-Movie bleibt, da er in erster Linie niedere Motive und Instinkte anspricht und auch das Budget nicht dem heutiger Blockbuster entspricht, setzt er sich mit einem Schlag vor etliche, wenn nicht sogar die meisten seiner Genrevertreter. Alien natürlich ausdrücklich ausgenommen.

Rating: 3.5 out of 5 stars