Worum geht’s? Ja, das ist es ja gerade: um genau dasselbe wie in allen Gothic-Vorgängern auch! Der namenlose Spieler ohne Vorgeschichte wird in die begrenzte Spielwelt geworfen (diesmal keine Gefangenenkolonie unter einer Energiebarriere, sondern eine Insel, aber auch nicht Khorinis). Dort wird er erstmal von allem Möglichem verdroschen, wenn er auch nur eine Winzigkeit von den Hauptpfaden abweicht. Im Verlauf der Geschichte wird er sich einer der drei Fraktionen auf der Insel anschließen (Altes Lager / Neues Lager / Sumpflager… halt, natürlich Paladine / Banditen / Magier… ach was, natürlich Inquisition / Gesetzlose / Magier). Und er wird sich zum Steigern seiner Attribute Lehrmeister und Gold fleißig zusammensuchen müssen. Und mächtig stolz sein, wenn ihn die simplen Kobolde mit ihren Knüppeln nichts mehr anhaben können. In Risen erkämpft man sich seine Bewegungsfreiheit buchstäblich.

Solchen Nostalgikern und Fans der ersten Stunde wie uns wird das alles reichlich bekannt vorkommen. Und auch der konsequente Mangel an Komfort ist eigentlich schon Markenzeichen, kein anderer Titel traute sich 2009 wie heute noch ohne Radarkarte, Questmarker und detaillierten Questlog aus der DVD-Hülle! Nur letzterer ist in rudimentärer Weise enthalten, Questmarker gibt es immerhin auch, wenn auch in den Karten versteckt. Desweiteren wehe dem, der sich nach einer Reisefunktion sehnt oder nach einer Highlighting-Taste für umherliegendes Aufsammelsurium.
Nein, in Risen plant man seine Quests, um nicht unzählige Male hin- und herzulaufen, hat Heiltränke statt einer Autoregeneration, und wird von den NSCs angemessen vermöbelt, wenn man ihre Sachen klaut. Und man lädt sehr oft neu, wenn einer der Kämpfe mal wieder im Fiasko geendet hat. Bei Risen liegt das übrigens nicht mehr primär am Kampfsystem: im Gegensatz zum grausigen Gegenstück in Gothic 3 ist es (größtenteils) fair, aber sehr hart. Will heißen, es gibt zuverlässige Strategien, wie man den Viechern beikommen kann, und nicht mehr solche unliebsamen Dinge wie die Stakkato-Wildschweine. Und blocken funktioniert neuerdings auch gegen Tiere.

Neben dem Kampfsystem gibt es auch kleine und schöne Verbesserungen an der Engine, um die Landschaften etwas schöner rauszuputzen. Und den nach wie vor etwas seltsamen Sprüngen der Hauptfigur haben die Macher gottlob den Kniff gespendet, sich andstandlos an Mauern oder Gesimsen hochziehen zu können, statt wie ein gedopter Affe umherspringen zu müssen. Aber um ehrlich zu sein, merkt man das Alter der Engine deutlich, gerade in den Bereichen, in denen sie schon immer schwach war, nämlich den Figuren und deren nicht vorhandene Mimik. Risen und Mass Effect bilden in dieser Hinsicht wohl die exakten Gegenpole.
Und auch die Welt von Risen ist in ihrem Konzept absolut stehen geblieben. Keine Kinder und Alten wie beim Witcher, ein deutlich höherer Männeranteil, die Frauen sehr stereotyp und ausnahmlos hübsch und bauchfrei. Sogar beim Straßenkehren! Von allen Aspekten haben wir diesen nicht vermisst, hier hätte die Reihe mal mit der Zeit gehen können.

Und daher als Fazit: fast wie früher. Es wird geflucht, was das Zeug hält, dafür gibt es kein Blut – absolut untauglich für den amerikanischen Markt. Und die Musik des Herrn Rosenkranz macht wie immer sehr viel Spaß, was bei der Lauferei auch so sein muss. Risen braucht schlicht keine Innovation oder High-End-Grafik, weil es nach wie vor herrlich einzigartig ist mit seinen Ecken und Kanten. Man muss es mögen oder meiden – und wir mögen es sehr, Weihnachten 2011 sind wir beim Nachfolger gewiß wieder dabei.

Rating: 4 out of 5 stars

Ach ja, fast vergessen, den Titel zu begründen: unserer Meinung nach sehen sich der Risen-Held und der Chief aus Battlestar Galactica verdächtig ähnlich. Kein Wunder, dass man im Spiel immer wieder neu laden und so leveln kann!

Inzwischen haben sich Animationsfilme zweifellos als erfolgreiches Genre etabliert; ein eindeutiges Zeichen dafür ist, dass es mittlerweile auch eine Reihe recht schematischer Durchschnittswerke gibt – das ist erst dann möglich, wenn der Mainstream erreicht ist und die Produktionskosten entsprechend gesunken sind. Und eben wegen dieser Entwicklung stach für uns Rango in seiner Ankündigung heraus, weil er schlicht seltsam und ein wenig rauher wirkte. Und obwohl er hinter dieser unserer Erwartung zurückbleibt, wird er wahrscheinlich aber dennoch der für uns ungewöhnlichste Animationsfilm des Jahres 2011 sein.

Worum geht’s? Um ein namenloses Haustier-Chamäleon, welches seinen Besitzern in der Wüste verlorengeht und daraufhin in einer staubigen verfallenen Westernstadt voller Wüstentiere landet, die um ihr täglich Wasser kämpfen. Auf seiner Suche nach einer Rolle, einem Namen und einer Identität überhaupt nimmt das Protagonisten-Tierchen recht schnell die Rolle des Revolverhelden und folgerichtig des Sherrifs an. Und ebenso folgerichtig kämpft Rango – als Film wie als Charakter – sich einen absolut vorhersagbaren Plot entlang.

Das mag alles so gewollt sein, nicht zuletzt als scharfsinnige Referenz all jener ideengebenden Italo-Western und anderer Filme wie Verbinskis vorangegangene Piraten-Werke oder auch “Fear and Loathing in Las Vegas”, aber die Handlung verschafft dem Film kein interessantes Alleinstellungsmerkmal. Auch die extrem hohe Qualität der Bilder tut dies nicht, und auch nicht die amüsante wie klischeehafte Darstellung der Dorfbewohner.

Wirklich interessant machen den Film Rangos Träume und seine Irrfahrten in einer Art indianisch-spirituellen Welt, die einen surrealen Ton in dem Film bringen, und die zu einem nicht unerheblichen Teil dankbarerweise etwas das Tempo aus dem Film nehmen. Genau dieser Aspekt, der die Wüste als leere Bühne und Spiegelbild für Rangos Suche nutzt, der sie mit Dali-haften Bildern füllt, der hilfreiche Geister in Form eines wandernden Gürteltiers und eines gleichfalls namenlosen Geist des Westens in Clint-Eastwood-Form auftreten lässt – dieser Aspekt macht Rango zu etwas zumindest partiell Neuem.

Damit zeigt sich – unserem Empfinden nach ungewollt, aber weiß das schon…? – der Film Rango insgesamt ebenfalls als identitätssuchend. Was er genau sein will, kann er im Gegensatz zum Protagonisten nicht so recht finden. Ein Western? Eine psychedelische Metapher? Ein 3D-Actionspektakel mit Raubvogel- und Maschinengewehr-Fledermausjagden? Eine milde Gesellschaftskritik, wegen der Monopolisierung des lebenswichtigen Wassers? Alles zusammen?

Rango krankt unserer Ansicht nach wie alle Artgenossen des Animationsfilms daran, dass sie sich einfach nicht von ihren Vorfahren, den Zeichentrickfilmen für Kinder, lösen können. Dass sie moralische Aussagen nicht ohne das verpflichtende Happy-End erzählen dürfen – der ständig angekündigte Protagonistentod durch den griechisch-mexikanischen Eulen-Mariachi-Chor findet selbstverständlich nicht statt. Und er krankt auch daran, dass mindestens eine klar abgegrenzte wildeste Verfolgungsjagd stattfinden muss, um die 3D-Technik maximal auszureizen (wobei wir den Film tatsächlich nur in 2D gesehen haben, ein wahrscheinlich glücklicher Zufall, durch den uns die weggefallene Reizüberflutung mehr Raum für den Rest des Films ließ) und damit auch denen was zu bieten, die für den Rest nicht so empfänglich sind.

Hätte Rango das geschafft, will heißen den Mut aufgebracht, den simplen Slapstick und die Action-Kirmes zugunsten der Reflektion zu tauschen und anstelle der Schnittmuster-Nebenrollen wirkliche Charaktere zu verwenden – also bewußt kein Familienfilm mehr zu sein, und sich auf die verbleibenden Aspekte zu konzentrieren – dann wäre es ein Film geworden, der über Jahre hinaus als Meilenstein hätte gelten können, der der Erzählung und dem Konzept der Animationsfilme eine neue Richtung gegeben hätte. So bleiben es nur Impulse und ein unterhaltsamer Abendfilm. Und das ist jammerschade.

Rating: 3.5 out of 5 stars

Worum geht’s? Der Roboter-Protagonist wird in einem Müllstransporter auf einer Halde vor der Stadt abgeladen und sucht sich in Form eines Point&Click-Adventures den Weg zurück in die Stadt. Warum weiß man als Spieler zu Beginn nicht so recht, bringt es aber so nach und nach in Erfahrung, weil er dort seine Freundin und alte Fieslinge von früher wiedertrifft. Erzählt wird ausschließlich durch Comic-Sprechblasen oder schlicht Gestik, was ganz nonchalant das Problem einer Übersetzung umgeht; jeder versteht Bilder.

Was das Ganze ziemlich schnell unwiderstehlich macht, ist der liebevolle Witz der Animationen und der Rätsel-Einfälle, die die Macher im gesamten Spiel untergebracht haben; wobei einige der Logikrätsel durchaus als ziemlich knackig bezeichnet werden dürfen. Zwar gehen die Entwickler den einzigen schlauen Weg und integrieren die Komplettlösung, ebenfalls als Comicbuch gezeichnet, schon direkt im Spiel (und in der Edition auch als beiliegendes Heftchen), aber wer sich die Blöße des Nachguckens nicht geben will, wird wohl eine gute Weile herumtüfteln. Was nebenbei gesagt auch gewollt sein wird, denn insgesamt ist die Geschichte schon recht kurz.

Auch sonst sind die Lokalitäten und vor allem die elektro-jazzige Musik derart hübsch, dass wir uns glegentlich dabei ertappt haben, einfach mal in der Gegend rumzustehen, die Details zu betrachten und der Untermalung zu lauschen. Gut manchmal war es auch einfach die Sucherei nach Hotspots…

Fazit: Ein ausgefallenes Kleinod, das Adventure-Liebhaber auf jeden Fall haben sollten. Es hat uns in seiner Atmosphäre sehr an Stanisław Lems Kyberiade und seine Robotermärchen erinnert; so ähnlich stellen wir uns die Welt von Trurl und Klapaucius vor, und bestimmt war das auch eine Inspirationsquelle für dieses Spiel.

Rating: 5 out of 5 stars

Worum geht’s? Commander Shepard hat gerade das Universum der Menschen und anderen Ratsvölker vor einer Invasion der Reaper bewahrt, allerdings starb dabei der alte Rat, und die Menschen als galaktische Emporkömmlinge beherrschen ihn nun in der neuen Zusammensetzung (übrigens, es müsste auch einen alternativen Anfang geben, bei dem der Rat nicht ausgelöscht wurde, weil man sich in ME1 entsprechend entscheiden konnte, aber in keinem unserer Spielstände haben wir das getan, und bei einem neuen Charakter scheint diese Vorgeschichte auch vorgegeben zu sein; wer da was Näheres weiß, kann uns diesbezüglich gerne schlau machen). Dummerweise sind Shepard und seine Crew die einzigen, die von der wirklichen Bedrohung der Reaper wissen, der Rest der Welt will das nicht wahrhaben und hält die bloßen Handlanger, die synthetischen Geth-Truppen, für den wahren Feind. Und als Shepards Schiff im eindrucksvollen und interaktiven Intro von einem unbekannten Kreuzer pulversiert wird, nimmt die Öffentlichkeit das zum Anlaß, ihn und seine Mission schnell als Heldentat zu verklären und dann unter den Teppich zu kehren – denn Shepard stirbt bei diesem Angriff.

Selbstverständlich nicht endgültig, denn die alte Schurken-Schattenorganisation Cerberus, gegen die man in Teil 1 während einiger Nebenmissionen fröhlich antreten durfte, fügt den Kommandeur zwei Jahre lang wieder zusammen. Eigener Aussage tut sie das alleinig, um die Menschheit – und vorrangig nur diese – vor den Reapern zu schützen, denn im gesamten Universum scheint nur sie an deren Bedrohung zu glauben. Und so kommt es, dass Shepard von nun an mit Cerberus’ Anführer zusammenarbeiten muss, der schlicht “Der Unbekannte” genannt wird – wir nennen ihn auch liebevoll den MassEffect-G-Man.

Mass Effect 2 merkt man deutlich an, dass es in seiner Geschichte und auch seinem Spielkonzept einen Gegenpol zum Vorgänger darstellen will, was auch teilweise gelingt. Am Direktesten wird dies am eigentlichen Gameplay klar. Die individuellen Charakterfertigkeiten wurden auf wenige Kernfähigkeiten vereinfacht, was uns sehr entgegen kam, denn schon in Teil 1 haben wir davon viele einfach nicht genutzt. Deutlich nerviger fanden wir die Entscheidung, statt unbegrenzt munitionierter Waffen mit Überhitzungskonzept wieder das altbackene Munitionskonzept zu übernehmen, bei dem man ständig vom Feind fallengelassene Magazine aufklauben muss – ein echter Schritt zurück. Die Kämpfe bestehen in Teil 2 größtenteils darin, sich hinter diversen Wänden und Kisten Feuerschutz zu suchen und von dort aus mit Gewehrsalven oder den bewährten Jedi- Biotik-Kräften den Feind zu beharken. Insgesamt gesehen sind jedoch diese Kämpfereien für uns unterhaltsamer gewesen als in Teil 1, aber wir haben auch den Eindruck, dass sie exzessiver eingesetzt wurden als anno dazumals.

Ebenfalls umfangreicher als damals ist auch die Grafik, die schlicht bestechend schön ist und extrem stimmungsvoll. Wie im ersten Teil ist sie untrennbar mit cineastisch entworfenen Kameraführungen und den gewohnt flüssigen Dialogen samt animierten Figuren verwoben, sodass man teilweise schon vergessen kann, dass da gerade ein Spiel läuft und kein Film – dass die Synchronsprecher der deutschen Version erstklassig sind, versteht sich da glücklicherweise schon von selbst. Die Mimiken und Gestiken der Personen sind sehr ausgereift, aber was auf keinen Fall unerwähnt bleiben darf: während den Dialogen darf man – sorgfältig platzierte – Unterbrechungsaktionen durchführen, wie zum Beispiel einem Halbstarken einfach die Waffe aus der Hand zu nehmen oder einen pöbelnden Söldner kurzerhand durch die hinter ihm befindliche Scheibe zu kicken. Also genau die Dinge, die man manchmal schon seit Teil 1 tun wollte .

Auch die diversen Erkundungs- und Kampfkulissen sind sehenswert. Die Omega-Raumstation beispielsweise wirkt so sehr wie eine wiederauferstandene Version von Blade Runner’s Los Angeles, das wir minutenlang in die digitalen Straßenschluchten geschaut haben. Übrigens hat uns die bewußt minimalistische Begleitmusik mit ihrem Synthesizer-Stil streckenweise ebenfalls an den alten Streifen erinnert, wenn sie denn nicht gerade in ihr anderes Extrem verfällt, nämlich in den genretypischen orchestralen Space-Opera-Bombast. Meistens nahm uns aber der Rest der Handlung derart gefangen, dass es ganz gut passte. Aus irgendeinem uns unerfindlichen Grund haben sich die Entwickler übrigens dazu entschieden, innerhalb der neuen Normandy keine Musik mehr laufen zu lassen, wie das im ersten Teil noch war, als man dort durch die Gänge gelaufen ist. Das fanden wir zu Beginn irritierend und auch jetzt noch sehr schade!

Die Nebenmissions-Außeneinsätze sind nun kleinere begehbare Levels, im Gegensatz zum Vorgänger, bei dem man mit dem Mako auf einem kleinen Planetenareal umhergebraust ist. Auch da fanden wir den ersten Teil etwas interessanter, dafür werden in Mass Effect 2 nicht immer dieselben Gebäude wiederverwendet, was wiederum ein Pluspunkt ist. Insgesamt hält sich da für uns Positives und Negatives in der Waage. Ansonsten sind die Zwischenmissionen geblieben, was sie sind, nämlich mäßig interessantes und durch Add-Ons leicht erweiterbares Füllmaterial zwischen den Hauptmissionen.

Soviel zum Gameplay und der Technik, aber was ist der Geschichte an sich? Die bleibt unserer Ansicht nach deutlich hinter dem ersten Teil zurück. Zuerst einmal hatten wir erwartet, uns mit dem Unbekannten ordentlich anlegen zu können, da er ja einen ernsthaften Feind von einst darstellt. Aber weder unser striktes Vorbild Julius Shepard noch unser Abtrünniger Xavier Shepard schafften es, ihn irgendwie aus der Reserve zu locken. Zum Vergleich: auch im ersten Teil kann Shepard hin und wieder mit seinem Auftraggeber, dem Rat, eine Videokonferenz abhalten. Da ging es auch teilweise richtig zur Sache, beispielsweise konnte der der gute Xavier nach heftiger Schreierei den Rat einfach mal abwürgen, und der beschwerte sich bitterst in der nächsten Videokonferenz darüber! Davon ist überhaupt nichts geblieben, die Konferenzen mit dem Unbekannten sind erstens immer verpflichtend und zweitens stinklangweilig, da sie ungeachtet des Gesagten immer gleich enden – der Unbekannte bleibt stets cool, weiß immer alles, behält die Fassung. Sowieso hätten wir gerne unseren vorbildlichen Julius viel mehr gegen Cerberus und den Unbekannten rebellieren lassen, aber das war absolut unmöglich, da die Handlung diesbezüglich ein sehr starres Korsett vorgibt. Auch bei vielen anderen Dialogen hat man den Eindruck, dass der Ausgang immer gleich ist, gleichgültig, ob man nun die Vorbild- oder Abtrünnigen-Antworten gegeben hat.

Das ist nur ein Detail von vielen: die Queststruktur und die dahintersteckende Spielmechanik ist für erfahrene Spieler ziemlich offensichtlich. Wie in Teil 1 werden Leute für das Team gesammelt, dann findet die erste Hauptmission statt, dann werden weitere Leute gesammelt, abschließend werden die klar absehbaren Hauptmissionen eine nach der anderen bis zum Finale durchgeackert. Das ist an sich nicht schlecht, aber durch die klare Absehbarkeit der Zusammenhänge leidet die Spannung. Der Spieler wird nahezu ständig mit der Aussage konfrontiert, dass er vor Antritt der Endmission alle Schiffsupgrades und Mannschaftsmissionen erledigen soll, denn sonst gibt es am Ende unweigerlich Verluste innerhalb der rekrutierten Truppe.

Und so scannt man dann unzählige Planeten nach Ressourcen, um besagte Upgrades zu kaufen (sehr nervig), und die Teammitglieder melden sich praktischerweise direkt beim Spieler, um ihm eine Mission vorzuschlagen, die irgendeinen alten Konflikt ihrer Vorgeschichte zu einem Abschluß bringt und damit ihre Loyalität festigt. Diese Missionen sind in ihrer Abwechslung und ihrem Ideenreichtum ein echtes Highlight im ansonsten eher langweiligen Alltagstrott zwischen den Hauptmissionen. Nach wie vor ist es darüber hinaus wie in Teil 1 möglich, mit den Teammitgliedern ins Gespräch zu kommen oder auch mit einigen von ihnen eine Romanze anzufangen, aber ehrlich gesagt hätte es Mass Effect 2 besser getan, insgesamt weniger Charaktere intensiver einzusetzen – so jedoch führt man zwar interessante und mitunter auch echt witzige, aber eben wenige Story-Dialoge mit den vielen verschiedenen Leuten. Auch sind in der Gesamtheit der Story-Einfälle manchmal derart abgegriffene Plotwendungen darunter (“Huch, es sind ja gar nicht alle Geth böse, sondern ausgerechnet nur die, gegen die wir bisher gekämpft haben…”), dass wir zugegeben dabei die Augen verdreht haben.

Ehrlicherweise sind das aber schon die einzigen Schwachpunkte des Spiels, wenn man sie so überhaupt nennen kann, denn er Spaßfaktor ist insgesamt so hoch wie bei kaum einem anderen Titel für uns gewesen. Alleine die Querelen zwischen der Schiffs-KI EDI und dem altgedienten Piloten Joker sind im Ansatz sehr schön – es hätte Mass Effect 2 deutlich gut getan, wenn die Teammitglieder irgendwie mehr untereinander agiert hätten, anstatt als bloße Ansprechstationen für den im Schiff herumrennenden Commander herumzulümmeln.

Fazit: Es hat große Freude gemacht, die altbekannten Gesichter unseres Shepard-Gespanns wieder als Vorbild und Abtrünniger in Aktion zu sehen und durch die technisch nahezu perfekte Geschichte von Mass Effect 2 zu jagen, auch wenn gerade die Handlung besser vielschichtiger denn epischer hätte sein sollen. Trotzdem wirkt sie immer noch liebevoll in ihren Details, da auch viele bekannte Gestalten aus Teil 1 und seinen Nebenmissionen wieder auftauchen. Nach dem Spaß, den wir insgesamt mit Teil 2 hatten, warten wir gepannt auf Teil 3.

Rating: 4.5 out of 5 stars

So weit, so sinnfrei. Und es kommt natürlich alles wie es kommen muss. Die beiden ungleichen Freunde kämpfen gegen eine zunehmende Horde rumhüpfender Vampire, die mit ihrem albernen Gehampel augenscheinlich sexy und irgendwie auch lesbisch rüberkommen sollen. Das geht natürlich voll in die Hose. Sowohl für die beiden Haupt-Protagonisten, als auch für den Film selbst. Hier stimmt nur sehr wenig. Um Spannung geht es in Lesbian Vampire Killers sowieso nur sekundär. An erster Stelle sollen Spass und Sex stehen. Doch auch das funktioniert nur bedingt. Affektiert rumfummelnde Frauen finden wahrscheinlich pubertierende Teenager noch lustig, wirklich sexy ist das allerdings nicht. Und mit dem Spass ist das auch so eine Sache, denn auch wenn der eine oder andere Gag tatsächlich zum Schmunzeln anregt, verfolgt man den Großteil des Filmes doch recht teilnahmslos.

Lesbian Vampire Killers lebt in erster Linie von seinem trashigen Titel und dem eben solchen Cover, obwohl beide wesentlich mehr versprechen, als dass der Film zu halten im Stande ist. Optisch orientiert man sich offensichtlich an eine Art Pulp-Stil, der entfernt an die deutschen Groschenromane und Hörspiele um den Geisterjäger John Sinclair erinnern. Doch auch deren (zweifelhaftes?) Niveau wird nur zeitweilig erreicht. Die meiste Zeit plätschert Lesbian Vampire Killers so vor sich hin, ohne wirklich jemandem weh zu tun, aber auch ohne jegliche Relevanz, ohne großen Spass und auch auch ohne Splatter-Faktor. Das Blut der Vampire wurde nämlich kurzerhand weiß eingefärbt. Damit bekommt der Film höchstwahrscheinlich die Freigabe für ein pubertierendes Publikum und hat auch prompt so etwas wie eine Zielgruppe: Jugendliche zwischen 12 und 16 Jahren. Langweilig!

Rating: 1.5 out of 5 stars

Die einfache Struktur des Drehbuchs ist in erster Linie darauf ausgelegt, Jeff Bridges Darstellung zu exponieren. Als alternder und abgehalfterter Musiker mit Alkoholproblemen lernt Bad Blake die 20 Jahre jüngere Journalistin Jean (Maggie Gyllenhaal) kennen. Die daraus resultierende Beziehung gibt beiden die Möglichkeit eines Neuanfangs. Die alleinerziehende Jean sieht im väterlichen Verhalten Blakes die Möglichkeit, ihrem Sohn eine intaktes Familienleben zu schaffen. Blake selbst möchte seine Verfehlungen als Vater aus einer früheren Ehe wiedergutmachen und kämpft so unbewusst um eine Absolution, die ihm letztlich niemand geben kann. Dabei befindet er sich in einem immer währenden Konflikt mit seinem eigenen Dämonen. Vornehmlich dem Alkohol.

Jeff Bridges spielt seinen selbstzerstörerischen Charakter außerordentlich lässig und mit einem großen Hang zum körperlichen und seelischen Exhibitionismus. Der gewonnene Academy Award ist damit gleichermaßen nachvollziehbar und gerechtfertigt. Dem Film als Gesamtkunstwerk mangelt es dennoch an der entsprechenden Durchschlagskraft. Das liegt in erster Linie an der in weiten Strecken zu großen Simplifizierung der Geschichte. Und auch wenn Crazy Heart vor allem von Bridges Darstellung und dem sehr gut herausgearbeiteten Country-Flair lebt, so geht ihm dennoch mit zunehmender Dauer die Luft aus. Auf der Grundlage des schwachen Drehbuchs kulminiert der Film letztlich in einem Klischee beladenen Finale das weder der Geschichte noch dem Film weiterhilft. Hier wäre viel mehr möglich gewesen.

Rating: 3 out of 5 stars

Worum geht’s? Na darum, eine Heldengruppe in bester Tradition mit einem höchst wichtigen, den Weltuntergang verhindernden Auftrag rumzuscheuchen.  Und das, muss man einfach mal so sagen, in optisch und akustisch sehr gefälliger Weise, insbesondere der Soundtrack ist unserer Meinung nach sehr gut gelungen. Der Einfachheit halber verzichtet das Spiel auf verschiedene Tageszeiten, im Gegenzug sind die Szenerien teilweise echt beeindruckend. Von den Szenerien kriegt man übrigens auch viel zu sehen, denn der besagten Einfachheit ist auch jedes Reisekomfort-Feature zum Opfer gefallen.

In dieser Beziehung ist der DSA-Titel das genaue Gegenteil von Freilaufwelten wie Oblivion, denn neben der zentralen Stadt Ferdok gibt es nur klar abgegrenzte Schauplätze in näherer Umgebung, zu denen man nach dem Abgrasen aller dortigen Quests nicht mehr zurückkehren kann. Dafür ist uns auch nur mildes Level-Copy&Paste aufgefallen, jedenfalls verglichen mit Oblivion, wo es einen anödete, immer wieder dieselben Dungeons zu durchstreifen. Die größere Liebe zum Detail geht bei Drakensang direkt mit einer strikten Linearität der Schauplätze und Handlung einher.

Wenn einem bei Drakensang etwas auffällt, dann ist es eine konsequente Simplifizierung in allen Bereichen: im Gegensatz zu Titeln wie Oblivion, Mass Effect und Dragon Age gibt es keine Charaktererstellung, sondern Charakterwahl – also keine detaillierte Ausarbeitung des Alter Egos hinsichtlich Gesicht und Charaktereigenschaften, wie sie bei größeren Titeln fast schon Standard geworden ist. Die Anzahl der Talente wurde gegenüber der Pen&Paper-Vorlage merklich eingeschränkt, auch die kampftaktischen Optionen sind übersichtlich.

Die klarste Simplifizierung jedoch ist der Rollenspielfaktor selbst, der sich gegen die gegenwärtige Tendenz stellt: statt des verhärmten hadernden Action-Hexers Geralt oder des Kopfes einer politischen Eingreiftruppe wie Captain Shepard spielt man hier den klassischen rechtschaffenen Recken, der höchstens zu mildem Egoismus fähig ist – es gibt keine andere Möglichkeit in Drakensang. Genausowenig wird der Spieler in ein moralisches Dilemma geraten: entweder er nimmt den Auftrag an und tut damit ausschließlich Gutes, oder er kann höflich ablehnen.

Ebenso wenig wie es auch nur einen Tropfen Blut gibt während der Kämpfe. Das Aventurien Drakensangs ist – für ein Rollenspiel, in dem man eben Schurken und Monster erschlägt – äußerst harmonisch, denn Dreck und Elend sind selbst dem anrüchigen Fuhrmannsviertel in Ferdok fremd; kein Vergleich zu Wyzima! Die durchaus sympathischen Dialoge, denen man auch anmerkt, dass sie keine Übersetzung sind, spielen lieber mit “Praios zum Gruße, Wandersmann”-Klischees als mit Zoten. Schade, dass sie nur teilvertont sind.

Fazit: Drakensang ist ein Titel, der sich in seiner Gewaltfreiheit und Bedienbarkeit an jüngeres Publikum wendet und in seiner sonnengefluteten Nostalgie an die alten Fans der Welt Aventuriens, die lieber wieder den Kosch besuchen und sich über die fanatischen Praioten ärgern wollen als das komplette Regelwerk umgesetzt zu finden. Wir gehören eindeutig zu den Letzteren, denn bei aller Einfachheit ist Drakensang schlicht sympathisch und auch entspannend. Es eignet sich ausgezeichnet, um zwei, drei angenehme Stunden am Abend damit zu verbringen (wenn auch etwas weniger Lauferei dabei sein dürfte ). Für hochtaktische Schlachten und moralische Abwägungen gibt es ganz einfach andere Titel auf dem Markt, von denen sich Drakensang wohl bewußt abgrenzt. Das aber, was Drakensang darstellen will, tut es sehr gut. Und so ist auch unsere Wertung zu verstehen.
Rating: 4 out of 5 stars

Bad Lieutenant – Cop ohne Gewissen ist das Remake eines achtbaren, aber in letzter Konsequenz viel zu konventionellen Films von 1992. Damals noch mit Harvey Keitel in der Hauptrolle. Werner Herzog, bekannt und geachtet für seine Autorenfilme und vor allem für den bändigenden Charakter seiner Regiearbeiten mit Klaus Kinski (Fitzcarraldo, Aguirre, der Zorn Gottes, Nosferatu – Phantom der Nacht), inszeniert den Stoff als eigene Interpretation des Pulp Genres im Stile von James Ellroys Romanen (Die schwarze Dahlie, L.A. Confidential – Stadt der Teufel) und deren Verfilmungen. Ebenso wie Ellroy bedient sich Herzog eines lakonischen Sprachgestus sowie einer Verrohung der Charaktere und der Gesellschaft. Doch während in Ellroys Romanen meist die Institutionen Staat und Polizei als verkommene und degenerierte Organe dargestellt werden, die Hauptprotagonisten jedoch trotz ihrer offensichtlichen Verfehlungen und Makel letztlich menschliche oder auch heldenhafte Züge offenbaren, zeigt Herzog den Niedergang des Anti-Helden in Form einer abwärts gerichteten Spirale bestehend aus Gewalt, Sex, Drogen und Glücksspiel. New Orleans, bereits vor der Katrina-Katastrophe für seine atmosphärische Dichte bekannt, erhält durch den zerstörenden Charakter des Hurrikans eine nochmalige Erhöhung seines Mystizismus und seiner Düsternis. Herzog weiß das für sich und für seinen Film zu nutzen.

Nicolas Cage agiert – gerade in seinen dramatischen Rollen – oft am Rande des Overacting und auch in Bad Lieutenant wird ihm seine überzeichnende Darstellung zum Verhängnis. Die ständige Erhöhung und Zuspitzung seiner Darstellungsweise kommt seiner Rolle des Lieutenants McDonagh und auch dem Film in weiten Teilen entgegen und sorgt dafür, dass Bad Lieutenant lange Zeit als wirklich herausragender und morderner Film Noir hätte durchgehen können. Der schmale Grad zwischen Ekstase und Karikatur wird jedoch ab einem gewissen Punk unwiederbringlich überschritten, wodurch der Film auf einen Schlag einen Großteil seiner ursprünglichen Faszination verliert.

Es ist jedoch Werner Herzog selbst, der seinen Film höchst eigenwillig zerstört: Denn in “bester” Hollywood-Manier wendet sich letztlich alles zum Guten. Der Zuschauer muss sich in diesem Fall fühlen, als würde er mit einem Ruck aus einem fiebrigen Traum gerissen werden. Das Ende mag vielleicht als geschickte Parodie auf gängige Hollywood-Klischees gedacht sein, führt jedoch den kompletten Handlungsverlauf ohne nennenswerte moralische Intention oder inhaltlich schlüssigen Überbau ad absurdum. Jedem anderen Regisseur müsste eine inhaltliche Intervention von Seiten der Filmstudios unterstellt werden. Bei Werner Herzog scheint das nahezu undenkbar.

Rating: 3 out of 5 stars

Männer die auf Ziegen starren beginnt als paramilitärische und parapsychologische Satire mit reichlich Hippie-Touch. Der Film lebt dabei in erster Linie von seinem originellen Drehbuch und den skurrilen Charakteren. Allen voran George Clooney und Jeff Bridges, wobei letztgenannter eine militärische Interpretation seiner Rolle als Dude aus The Big Lebowski zum Besten geben darf. Ewan McGregor bleibt da nur die Rolle des Sidekicks. Die erfüllt er zwar äußerst gewitzt, muss jedoch meist hinter Clooneys exponierter Darstellung ins zweite Glied zurückweichen. Das Zusammenspiel der beiden Hauptprotagonisten (Clooney und McGregor) ist dennoch das Highlight des Films.

Die satirische Ausgangssituation spannt einen Bogen zu einem politisierenden Überbau, der sich allerdings nie in dern Vordergrund drängt. Im Gegenteil, eine etwas stärkere Ausarbeitung der subversiven Kritik hätte Männer die auf Ziegen starren gut getan. Heslov dekliniert sein Szenario konsequent bis ins letzt Detail durch, vergisst dabei allerdings den notwendigen Spannungsbogen. Und den Witz. Was Anfangs noch amüsant und originell wirkt, verliert sich nach und nach in der Bedeutungslosigkeit. Das passiert, wenn man einen Witz zu oft durchnudelt. Stark angefangen und stark nachgelassen!

Rating: 2.5 out of 5 stars

Sherlock Holmes ist den meisten Kinozuschauern ein Begriff, doch ein wirklich tiefgreifendes Bild der komplexen Romanfigur von Sir Arthur Conan Doyle fehlt dem Großteil des Publikums, liegt doch die letzte bekannte Kino- oder Serien-Adaption schon viele Jahre zurück. Sherlock Holmes ist für viele nur noch eine Popfigur. Als einziges bekanntes Merkmal bleibt der analytische Scharfsinn im Gedächtnis. Auf diese Weise kann Ritchie die Roman-Vorlage und vor allem den Charakter seiner Protagonisten nach belieben an die heutige Zeit und vor allem seinen persönlichen Stil anpassen.

Ritchie inszeniert seine Adaption als nahezu klassischen Buddy-Movie im Stile von Lethal Weapon oder Bad Boys. Action-Szenen und die fast schon obligatorische Rüpelhaftigkeit stehen im Vordergrund. Die forensischen Fähigkeiten Holmes (Robert Downey Jr.) treten erst gegen Ende richtig in den Vordergrund. Holmes und Watson (Jude Law) agieren als beherzte Schläger mit viel Nonchalance. Die aristokratische Attitüde, wie sie beispielsweise in der bekanntesten Serien-Version mit Jeremy Brett (1984 – 1994) genüßlich zelebriert wurde, fehlt vollständig. Ebenso wie die sozialen Unzulänglichkeiten Holmes, die von Ritchie zwar angedeutet, letztlich aber nicht werkgetreu interpretiert wurden. Die grundlegenden Charakterzüge bleiben jedoch weiterhin erkennbar, auch wenn sie oftmals nur angedeutet oder karikiert werden.

Sinnbildlich für die Änderungen stehen die neuen Kampfesfertigkeiten der Hauptcharaktere. Auf amüsante Art und Weise versucht Guy Ritchie bereits zu Beginn des Films diese wahrscheinlich schwerwiegendste Änderung sinnvoll in die Charakterstruktur der Protagonisten einzubetten, indem er sie in der analytischen Fähigkeit Holmes begründet sieht. Das wirkt im ersten Moment lachhaft und versperrt vielen Fans der Originalwerke und bisherigen Film-Adaptionen den Zugang, funktioniert jedoch im Rahmen des Films sehr gut. Wer sich darauf nicht einlassen kann oder will wird von Sherlock Holmes auch in der Folge enttäuscht sein. Für alle anderen ist es ein amüsanter Buddy-Movie.

Rating: 3 out of 5 stars